Copiando a Warhol!!!!!!!!!

Kate Moss por Banksy es la obra con la que artista callejero participa en la subasta de arte contemporáneo de Sotheby’s, a realizarse el 11 de febrero en Londres. Esta es la primera gran subasta de arte contemporáneo de Sotheby’s en 2010, que se realiza en paralelo a las de Christie’s.
Kate Moss por Banksy tiene alusiones directas a la Marilyn de Warhol.-

Diego Rivera

Diego Rivera (1886-1957) fue uno de los pintores mexicanos más importantes y un gran artista del siglo XX. Nacido en 1886, en Guanajuato, Rivera estudió estilos artísticos tradicionales europeos en la Academia de San Carlos en el Distrito Federal. Rivera combinó esta formación clásica con la influencia del artista popular José Guadalupe Posada, emergiendo a la edad de dieciséis años como un pintor talentoso con un estilo mexicano bien definido.

En 1907, Rivera viajó a España para estudiar las obras de Goya, El Greco y Brueghel en el museo de El Prado de Madrid. Después, se mudó a París y quedó fascinado con el movimiento cubista de vanguardia que había fundado Pablo Picasso. Sin embargo, después de cuatro años dedicado al cubismo, Rivera comenzó a cuestionar este movimiento.La oportunidad de poner en práctica sus nuevas ideas vino en 1921, con la inauguración de un programa cultural instituido para llevar el arte a las masas. El gobierno mexicano comisionó a José Clemente Orozco, a David Alfaro Siqueiros y a Rivera para pintar una serie de ciclos de frescos para edificios públicos, instigando lo que vino a llamarse el Renacimiento Muralista Mexicano. Estos grandes artistas pintaron sobre las paredes de edificios públicos en todo el país. Sus obras crearon una nueva iconografía que representaba complejos temas sociales y nacionales, motivos religiosos y una perspectiva global pre-hispánica.

Cuando la represión política se intensificó en México a finales de la década de 1920, a Rivera lo persuadieron venir a pintar en los Estados Unidos. Durante sus primeros dos encargos en San Francisco, en 1930 y 1931, Rivera y su esposa, la artista Frida Kahlo, encontraron una acogida cálida. Rivera, por consiguiente, se sintió muy complacido de regresar a San Francisco en 1940 para crear el mural de la Unidad Panamericana para su exhibición en la Exposición Internacional de Golden Gate. Esta obra representó la culminación de cientos de murales pintados para el público y también demostró su relación cariñosa con San Francisco.Además de ser un artista célebre y controversial, Diego Rivera fue un activista político provocativo que incitaba al debate no sólo en México, sino también en los Estados Unidos y en la Unión Soviética. Desde su muerte en 1957, sus centenares de obras de arte público, sus numerosos óleos y acuarelas, y su audacia política han seguido contribuyendo en forma inestimable al desarrollo del arte público en las Américas.

Marlene Dumas

Marlene Dumas. Capetown, Sudáfrica, 1953.Artista holandesa de origen surafricano.
Estudia la carrera de Artes Visuales en la Universidad de Capetown, Suráfrica (1972-1975). En 1976 se traslada a Holanda donde asiste al Ateliers 63 en Harlem (1978 y 1978), y cursa estudios de sicología en la Universidad de Ámsterdam (1979-1980). Su obra se enmarca en el neo-expresionismo conceptual de la década de los setenta. Entre lo más conocido de su producción están sus acuarelas y dibujos, realizados a partir de fotografías de prensa o tomadas por ella misma y en los que reproduce algunos de los rasgos de la imagen impresa, como su carácter plano y desenfocado. Entre 1976 y 1983 realiza sobre todo grandes collages a los que incorpora textos, recortes y algunos objetos. Una de sus obras más representativas de este periodo es Don´t talk to strangers (1977). A fines de los ochenta y principios de los noventa acomete una serie sobre el tema de la maternidad en la que el tema es tratado con más extrañeza que romanticismo. La temática religiosa aparece en su obra a principios de los ochenta, y en 1988 lleva a cabo la importante serie "Defining the negative", en la que cuestiona las representaciones tradicionales del desnudo femenino con cierta dosis de humor. Ha escrito sobre artistas como Jenny Holzer, Emil Nolde, Barbara Kruger, Edvard Munch, Barbara Bloom o Francis Bacon. Su obra ha viajado por instituciones de Europa y Estados Unidos y pudo verse en la 46 edición de la Bienal de Venecia (1995). Entre sus individuales más destacadas pueden mencionarse la de la Tate Gallery de Londres (1996), así como las del Centre Georges Pompidou, París, y la del Institute of Contemporary Art, Boston, celebradas ambas en el 2001.

"Andy Warhol. Mr America" en el Malba

"Si quieres saber todo sobre Andy Warhol, basta con ver mis pinturas y películas y allí estoy. No hay nada más" (Andy Warhol).-

Del 23 de octubre al 22 de febrero de 2010Andy Warhol, Mr AmericaMalba – Fundación Costantini tiene el honor de anunciar la realización de Andy Warhol, Mr. America, la primera gran exposición de Andy Warhol en nuestro país. Organizada en colaboración con el Museo Andy Warhol de Pittsburgh y curada por Philip Larratt-Smith, la muestra reúne una selección de 170 obras, que presentan la cultura política y popular de los Estados Unidos a través de los ojos de Warhol. A modo de retrospectiva, la lista de obras incluye 26 pinturas, 58 grabados, 39 fotografías y 2 instalaciones (Silver Clouds y Cow Wallpaper), además de 44 películas –que se exhibirán en sala y en el auditorio-, pertenecientes a diferentes etapas de su producción artística, con un énfasis particular en el período que va de 1961 hasta 1968. Entre otras piezas, se incluyen los célebres retratos de Marilyn, Jackie Kennedy y Mao; la icónica serie de Sopas Campbell; sus autorretratos travestido; los filmes Empire, Blow Job, Outer and Inner Space y una vasta selección de sus “Screen Tests” -3 rollos con 10 retratos cada uno- producidos en su famoso estudio The Factory. Esta es la segunda exposición que Malba dedica a Warhol. La primera fue "Andy Warhol. Motion Pictures / Cuadros en movimiento", en septiembre de 2005, que presentó sus célebres "Screen Tests” y un conjunto de films, pertenecientes al acervo del MoMA (The Museum of Modern Art, New York). Nacido en 1928, en el seno de una familia de inmigrantes de Europa del Este en un barrio obrero de Pittsburgh, y criado durante la Gran Depresión, Warhol experimentó de cerca el lado oscuro del sueño americano. Su “América imaginaria” fue la de Shirley Temple y Elizabeth Taylor, la de la presidencia idealizada de John y Jackie Kennedy y la del mito de la superabundancia y del progreso tecnológico, condensados en la lata de sopa Campbell. Sus comienzos como un exitoso ilustrador comercial ubicaron a Warhol en una posición única para introducir los temas de la cultura popular y el uso de la fotografía en las Bellas Artes, amenazando al expresionismo abstracto, reinante hasta entonces. Junto a Jasper Johns y Robert Rauschenberg, Warhol forjó la primera corriente estética verdaderamente norteamericana, que aún hoy continúa dominando el arte contemporáneo. La exposición se presentó primero en el Museo de Arte del Banco de la República en Bogotá (Colombia) del 17 de junio al 21 de septiembre. Ahora podrá verse en Malba, desde el 22 de octubre hasta el 22 de febrero de 2010 y, finalmente, se exhibirá en la Pinacoteca de San Pablo (Brasil)a partir del 20 de marzo de 2010.

http://www.malba.org.ar/

Modernismo

Características
El modernismo fue un movimiento artístico con el reto de renovar, cambiar el cotidiano y crear un nuevo tipo de arte, en oposición a los estilos que más predominaban en la época, como el historicismo, por ejemplo.
Esa renovación en la forma de hacer arte buscaba en la naturaleza su inspiración, usando elementos naturales, dando énfasis a los vegetales y formas arredondeadas que se mezclaban con el protagonista de las obras. Podemos ver también el uso de líneas y asimetría, una derivación que hace el modernismo ser frecuentemente confundido con el art decó.
La revolución industrial también dejó sus marcas en el modernismo, ya que esta provocó no solamente una transformación en la tecnología y expansión de centros urbanos, contribuyó también para que los artistas en medio a tendencias racionalistas e individualistas, mantuvieran esas nuevas ideas rompiendo tabús.
Las imágenes femeninas también ganan su espacio dentro de ese movimiento artístico, donde podremos verlas delicadas, frágiles y graciosas. En algunos casos esa delicadeza deja sitio a una actitud más sensual y muchas veces casi bordea el erotismo.
Los artistas modernistas tenían toda libertad para explorar los motivos de sus obras, siendo estas menos realistas y más exóticas, con inspiración en culturas antiguas, menos conocidas y lejanas.
Podriamos destacar de ese movimientos renovador artistas importantes como Pablo Picasso (artes plásticas), Henry Matisse (artes plásticas), Mies van der Rohe (arquitetura), Frank Lloyd Wright (arquitetura), James Joyce (literatura), Marcel Duchamp (artes plásticas), henri Cartier-Bresson (fotografia), Arnold Schoenberg (música), Jackson Pollock (artes plásticas), Samuel Beckett (teatro), Orson Welles (cinema), Isadora Duncan (dança) e Franz Kafka (literatura).
De entre las principales obras modernistas están la Casa Batlló de Antonio Gaudí, Bocas del Metro de Hector Guimard, Hotel Tassel de Victor Horta, Friso de Beethoven y El Beso de Klimt, Edificio Sezession de Olbrich, Edificio de la Caja Postal de Otto Wagner, Estación de Subte de Otto Wagner, entre otros.

Francesco Vezzoli

Según Mark van Proyen, para poder identificar correctamente la posición del arte dentro del tejido social de la era digital, habrá que describir tanto sus vertientes optimistas como las negativas, para así encontrar una síntesis que complete la dialéctica. Francesco Vezzoli (Brescia, 1971) podría encontrarse en la sección «positivista»: el artista que comenzó tejiendo lágrimas, sangre o mocos sobre los ojos y narices de las viejas estrellas de cine; un niño nostálgico y amargado que encontró a la mitad de su carrera el video como la forma perfecta de rendir tributo a dos de sus fascinaciones: la época de oro del cine italiano y Andy Warhol.
Vezzoli es definido como el «artista de la alfombra roja»: por sus videos que recrean pasajes, fragmentos e imágenes de Visconti o Pasolini, han transitado Sonia Braga, Bianca Jagger (también musa de Warhol), Franca Valeri y Valentina Cortese en tono decadente. Las imágenes de Vezzoli son nítidas y alevosamente iluminadas, sin contemplaciones estéticas para las viejas actrices, ni para las nuevas; Courtney Love, Milla Jovovich y Sharon Stone, entre otras tantas, extrañamente ya pelean un papel en uno de los extraños trabajos del creador italiano. El video de Vezzoli surge precisamente de la cultura popular televisiva y cinematográfica, recrea sus clichés, los lleva hasta el extremo y es allí donde radica su atractivo. El videoartista italiano se nutre de la tele —de la tesis—: en ella justifica sus ideas y exploraciones, se reinventa y contempla. Uno de sus últimos videos, Marlene Redux, cuenta su biografía imitando con exactitud el E! True Hollywood Story, programa de televisión que cuenta la siniestra historia de una estrella del cine o la televisión estadounidenses, con recreaciones y testimonios de allegados, depresiones y éxitos del artista visual. Una maravilla que dura media hora, incluyendo cortes para comercial, presentada en 2007 en la Tate Gallery de Londres.
En la Bienal de Venecia de 2007, Vezzoli presentó Democracy, la recreación de una campaña electoral para Estados Unidos con dos candidatos: Bernard-Henri Lévy (bhl para los franceses), uno de los filósofos más agudos de nuestro tiempo, con sólidos argumentos y retórica basada en Maquiavelo, contra Sharon Stone, la actriz que a últimas fechas culpó al mal karma del terremoto que sacudió China, como una candidata terriblemente seductora y persuasiva. Cada uno ideó su discurso, pero a Sharon Stone la beneficiaron con algunos «trucos» televisivos. Este video fue una bomba para la Bienal, en el sentido en que supuso una crítica del manejo del discurso político en los medios: ¿cuenta más la imagen o el discurso? Vezzoli dejó claro que Stone ganaría una campaña aunque su contrincante fuera un verdadero genio.
Hoy, cada nueva pieza de Vezzoli es seguida no sólo por el mercado de las artes visuales —cada inauguración o presentación suyas atraen multitudes—: también representa para las nuevas generaciones la bandera del nuevo videoarte italiano, el que goza de buena salud pero manteniendo un pie en la tradición. Vezzoli habla a través de la nostalgia. Y tradición es la palabra clave en la identidad del arte italiano; quizá también la razón de que le haya costado tanto trabajo encontrar un buen lugar en las nuevas artes expandidas. Un paseo por Italia puede dar algunas pistas: su restauración, por ejemplo, no arregla ni actualiza a la antigua Roma; sólo se le agrega una sencilla columna de metal para intentar mantenerla en pie. No se remoza ni se repinta. Pero el arte digital es otro medio, otro género, y en él parece renacer il bello arte italiano.

Rodney Graham

Rodney Graham es un artista multidisciplinar canadiense nacido en el año 1949. Desde el año 1970 vive y trabaja en Vancouver. Cursó estudios de Historia del Arte en la University of British Columbia, así como en Simon Fraser University de Vancouver.
Entre sus creaciones encontramos instalaciones, fotografías, esculturas, cine, pinturas, performances, videocreaciones, y en ellas suele estar siempre presente la música.
Algunas de sus obras más destacadas son Vexation Island, una videoinstalación de 1997; Aberdeen, una instalación multimedia del 2000; Halcion Sleep, de 1994; Polaroids, del año 1976; Rheinmetall/Victoria 8; una instalación del 2003; Two Generators, de 1984; y Awakening, del año 2006.-

Sarah Thornton

Siete días en el mundo del arte
Traducido a diez idiomas, este libro delicioso y bien informado, fruto de varios años de investigación y de viajes por Estados Unidos, Europa y Asia, abre las puertas del universo secreto del mundo del arte contemporáneo y devela su grandeza y sus excesos.
Desde mediados de la década del ochenta, el arte se ha convertido en el movimiento cultural por excelencia. Varias generaciones de artistas han contribuido para que así fuera, pero esa no es la única razón. En paralelo, un mercado que ya estaba desarrollado se multiplicó varias veces, creando un microcosmos con leyes propias, personalidades de leyenda y eventos paradigmáticos.
El impactante resultado de este proceso fue el surgimiento de un nuevo mundo del arte, que va de las subastas a las galerías neoyorkinas, de las Bienales a los encendidos debates de la crítica, de las Ferias internacionales a la revalorización de los museos, los coleccionistas y las grandes muestras. Es un cóctel fascinante de talento y glamour, de osadías vanguardistas y especuladores financieros, de excéntricos, estrellas fugaces y maestros.
Con una prosa vibrante y una aguda capacidad de análisis, Sarah Thornton es capaz de detectar lo que la frivolidad esconde y de señalar con autoridad a los mejores artistas de nuestro tiempo.
Sarah Thornton es Licenciada en Historia del Arte, y Doctora en Sociología. Ha escrito sobre el mundo y el mercado del arte para importantes medios de Estados Unidos e Inglaterra, entre ellos The Economist, Artforum, The Art Newspaper y The New Yorker. Trabajó en programas culturales de televisión para la BBC y CBS.
Publicado por Edhasa Argentina. Traduccion, Laura Wittner.
“Thornton tiene una escritura vivaz, grandes momentos de ironía (…) y ajustadas metáforas para describir la osadía espiritual, la especulación financiera y la estupidez rampante que pueden darse al mismo tiempo en este mundo “fascinante, hecho de inteligencia, cháchara y besuqueos falsos”, como define a la Bienal de Venecia.” La Voz
“Hoy el mercado (del arte) ha tenido su primer crash desde 1990. La burbuja que describe el libro si bien no ha estallado sobrevuela incierta a la merced de nuevos vientos. Que el libro haya sido terminado justo antes de la crisis financiera no es mala suerte sino todo lo contrario: lo vuelve una pieza cerrada. Cada capítulo, una épica completa. En unos años será visto como la crónica de una época dorada.” Página 12
“Para escribir sus ensayos, Thornton (…) se convierte tanto en observadora como en parte de la escena que retrata. (…) No se queda sólo con los remates, sino que analiza también las ferias de arte, las revistas especializadas, las universidades, las bienales, los grandes premios y los estudios de artistas consagrados.” La Nacion
“Convertida en socióloga itinerante, Thornton hace de su larga crónica un viaje de siete días por seis ciudades de cinco países. Es un relato divertido, con generosas dosis de inside information y la data precisa de quién es quién en esta combinación de glamour , millones y talento.” ADN
“La publicación de “Siete días en el mundo del arte”, el más que interesante libro escrito por la antropóloga Sara Thornton (editado por Edhasa), permite acceder a un pensamiento contundente sobre el mundo del arte contemporáneo y sus principales instituciones: las revistas de moda, las subastas en las grandes casas, las megaexposiciones, las monumentales bienales, poco queda fuera de la mirada de la autora, que desemboca en una precisa descripción de la ludopatía típica de los mercados.” Perfil
“Sarah Thornton investigó desde la sociología los eslabones que componen el mercado del arte. En la Bienal de Venecia asegura que este universo “es groseramente jerárquico”, pero también volátil.”

http://sarah-thornton.com/

León Ferrari

LEÓN FERRARI: EL ARTE COMO REBELDÍA, Y LA REBELDÍA COMO
En 2007, a los 86 años, León Ferrari recibió el "León de oro" en la Bienal internacional de arte de Venecia. El jurado consideró como valores tanto la calidad estética de su obra como su ética. Según el New York Times, es "uno de los cinco artistas plásticos vivos más provocadores e importantes" del mundo (¿quiénes serían los otro 4?, mi ignorancia aventura los nombres de Damien Hirst, Banksy, Maurizio Cattelan, Gunther Von Hagens, Ron Mueck, Bill Viola...).Su obra es uno de los más contundentes ejemplos de la relación entre vanguardia artística y vanguardia política, entre ética y estética.
LA CIVILIZACIÓN CRISTIANA Y OCCIDENTAL
Al recibir el León de oro en 2007, con su tradicional ironía, Ferrari declaró: "Debería dedicarle el premio a Bergoglio", cardenal primado de Argentina y su principal opositor en el país. Varios ataques -a veces violentos, como verán más abajo- de católicos fanáticos han perseguido a Ferrari, ayudando como siempre el escándalo para la difusión de su obra. Todo empezó en 1965, cuando recibió la invitación para participa en el Premio Nacional Di Tella. En ese momento realizaba dibujos, esculturas con metal soldado y algunas botellas con cosas extrañas en su interior. Seguramente al invitarlo creían que expondría algo así. Sin embargo, presentó 4 obras nuevas sobre el tema de la guerra de Vietnam: un avión bombardero estadounidense FH107 de unos 2 metros de altura, unido a un cristo de santería, colgado como si cayera en picada; y 3 cajas con manos, aviones y cruces. El avión -titulado La civilización occidental y cristiana -, que es hoy todo un icono del arte latinoamericano, no se expuso a petición de Romero Brest, director del Di Tella. A pesar de que las 3 cajas que si se expusieron no eran tan agresivas, provocaron la reacción de críticos escandalizados por el hecho de que una "institución seria" expusiera "libelos políticos" (Ernesto Ramallo, diario La prensa, 21 sep. 1965). Ferrari respondió con una célebre carta de la que extraigo algunos fragmentos: LA RESPUESTA DEL ARTISTA
"...Quitar la critica del arte es cortarle su brazo derecho, limitar la crítica a lo que no es acre o corrosivo es ahogarla con azúcar. "...creo que nuestra civilización está alcanzando el más refinado grado de barbarie que registra la historia. Porque me parece que por primera vez en la historia se reúnen todas estas condiciones de barbarie: el país más rico y poderosos invade a uno de los menos desarrollados; tortura a sus habitantes; fotografía al torturado, pública las fotografías en sus diarios y nadie dice nada. Hitler tenía todavía el pudor de esconder sus torturas; Johnson ha ido más lejos: las muestra. La diferencia entre ambos refleja las diferencias en las responsabilidades de los pueblos: Los alemanes pudieron decir que ellos no sabían lo que pasaba en los campos de concentración de Hitler. Pero nosotros, los civilizados cristianos, no lo podemos decir. "...Esas fotografías y la pasividad de los pueblos occidentales son el símbolo de nuestra avanzada barbarie. Y otro signo de barbarie es la reacción del cronista de arte, quien, cuando encuentra esas mismas fotografías pegadas en una caja con una intención de "critica acre o corrosiva", no se le ocurre condenar la tortura: lo único que se le ocurre es pedir que se prohíba la crítica a la tortura... "...Ignoro el valor formal de esas piezas. Lo único que le pido al arte es que me ayude a decir lo que pienso con la mayor claridad posible, a inventar los signos plásticos y críticos que me permitan con la mayor eficiencia condenar la barbarie de occidente; es posible que alguien me demuestre que esto no es arte; no tendría ningún problema, no cambiaría de camino, me limitaría a cambiarle de nombre: tacharía arte y lo llamaría política, critica corrosiva, cualquier cosa. "Los saludo muy atentamente. León Ferrari"

Franz Ackermann

Franz Ackermann (nacido en 1963 en Neumarkt-Sankt Veit) es un pintor e instalador artístico alemán establecido en Berlín. Realiza dibujos abstractos.
Asistió a la Academia de Bellas Artes de Munich entre 1984/88 y a la Escuela de Bellas Artes de Hamburgo entre 1989/91, donde estudió bajo la tutela de Bernhard J. Blume. Sus estudios le llevaron a Hong Kong gracias al Servicio Aleman de Intercambio Académico. Desde 2001 es profesor de pintura en la Academia de Arte de Karlsruhe.
Los temas de sus obras se centran en cuestiones de viaje, la globalización y la estética de las grandes áreas urbanas. Cabe destacar la serie de pinturas sobre viajes en pequeñas composiciones llamada Mapas mentales.
En 20004, Ackermann fue nominado para el Premio Hugo Boss. En 2005 recibió el "Premio de las IFM Kunst am Bau 2005" por su diseño mural con el título ‘El gran viaje’ en la estación de metro de Munich Georg Brauchle-Ring.
Su obra se ha mostrado internacionalmente en numerosas exposiciones incluida la Bienal de Venecia de 2003, Dibujo ahora: 8 proposiciones en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Híbridos en el Tate de Liverpool, Sistema Mundial de Navegación en el Palacio de Tokio en París y Temporadas en el Sol en el Museo Stedelijk de Ámsterdam. Está representado por la empresa Gavin Brown en Nueva York, la Galería Meyer Riegger en Karlsruhe, Galería Fortes Vilaça en São Paulo y Gio Marconi de Milán.
Muchas de sus obras se encuentran en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Rebecca Warren

Rebecca Warren (1965) es conocida internacionalmente por sus trabajos en arcilla, bronces, y vitrinas, caracterizados por ser exuberantes y un tanto rugosos. A su vez, los trabajos contienen objetos recolectados por la artista, que están montados de manera particular en sus obras. La artista desafía las convenciones de las esculturas mientras que a su vez se relaciona con la historia de la escultura figurativa y su posición dentro de esta tradición predominantemente masculina. Sus esculturas, que parecen cambiar de firma, en arcilla y bronce pueden ser tanto amorfas, como de formas más reconocidas, que muchas veces se son sexualmente explicitas, de manera tanto formal como grotesca.

Takashu Murakami (2): Oval Buddha

La obra representa una torre Janus cara oval, uno de los caracteres de la firma del artista, sentado en una posición de loto meditativa.
La combinación de técnicas tradicionales japonesas y las imágenes con varios de los motivos Murakami, Buda Oval refleja la evolución del artista cuerpo, mente y espíritu y su continua exploración de su culturales, nacionales, religiosas, artísticas y la realidad.
En primer lugar concebido Murakami en 1999, cuando se pidió la creación de una figura emblemática de una línea de Issey Miyake camisetas, el Salón Oval de caracteres fue posteriormente utilizado en una variedad de diferentes obras.
Al igual que muchas de las otras criaturas del artista, se ha metamorfoseado en muchas aplicaciones, que culminaron en Oval Buda, que combina la iconografía del artista distinto con motivos tradicionales budistas.

La escultura, de gran belleza y armonía, hecha en plata, refleja a un Buda en actitud meditante sobre una hoja de loto, que Murakami creó a petición de Naoki Takizawa, entonces creativo del magnate de la moda Issey Miyake, que le animó a concebir un carácter inspirado en Humpty Dumpty, protagonista de una canción infantil inglesa, y en Hyakume, del manga japonés, que el artista recuerda de sus lecturas infantiles.

Maurizio Cattelan

Maurizio Cattelan es un artista italiano. Esencialmente autodidacta, su obra se mueve entre la escultura y la performance y tiene en el sentido del humor y la trasgresión de los símbolos establecidos sus principales armas de expresión. En su individual del MOMA de Nueva York, en 1998, hizo que un actor vestido de Picasso, provisto de una gran careta que caricaturizaba el rostro del pintor, saludara a los visitantes al puro estilo de Disney World; un modo de llamar la atención sobre la inercia mercantil y espectacular del arte contemporáneo. Otra de sus intervenciones más conocidas tuvo lugar en 1999 en la galería Anthony d´Offay, donde instaló una réplica del monumento Mail Lin de Washington, en la que sustituyó los nombres de las víctimas de la guerra de Vietnam por las derrotas de la selección inglesa de fútbol; corrosiva broma sobre la gravedad con la que se trata el mundo del fútbol, sobre la proporción y la comparación, sobre las diferentes memorias nacionales.

La obra de Cattelan (instalaciones, videos, fotografías, acciones y objetos), como manifestáramos, se funda en el mecanismo del humor. Con ese medio consigue trastocar las reglas del juego en el ambiente del arte, para comentar irónica y críticamente, materias socialmente controvertidas, de un modo subversivo y humorístico. Los temas de sus obras – con un martiz en ocasiones intervencionista – pueden ser tanto las tendencias racistas en Italia o la influencia de la mafia, como cuestiones intrínsecas al arte.
En una ocasión, este enfant terrible del arte italiano subalquiló su espacio de exposición a un fabricante de perfumes, que instaló allí un display publicitario con sus productos.
Al saber aprovechar para su trabajo las condiciones del sistema del arte, su método suele ser llamado parasitario. Frecuentemente, Cattelan emplea símbolos de huida de la exposición, en forma de sábanas anudadas unas a otras o de un agujero cavado en el suelo de la sala. Sus retratos habrán de interpretarse en este contexto, los encarga a un dibujante de la policía, que los delines siguiendo las descripciones que le va dando de sus amigos y familiares; conscientemente tienen un aire de cartel de busca y captur. Cattelan sabe presentar con métodos sencillos sus objeciones contra las condiciones de una exposición. En 1994, persuadió a su distribuidor de París Emmanuel Perrotin a pasar un mes como un gigante vestido de color rosa falo. En otra ocasión, la Secesión Vienesa le invitó a montar una exposición en un sótano, instaló entonces dos biciletas con las que dos vigilantes -en el momento de entrar algún visitante- generaban la exigua energía necesaria para una bombilla de 15 vatios. De este modo, Cattelan no sólo expresaba su opinión sobre las salas, de techos bajos y sin ventanas, del sótano, sino que también ponía al visitante en una situación embarazosa, pues los vigilantes sólo pedaleaban para accionar la dinamo cuando alguien entraba. De este modo, Cattelan simbolizaba de modo convincente las jerarquía y las relaciones de dependencia en el mundo del arte.
Como señala López Anaya[*], quizá la más agria polémica provocada por la obra de Cattelan fue en la muestra Apocalipsis (Londres), cuando representó a Juan Pablo II, modelado en tamaño natural, abatido por un meteorito, en una obra titulada "La nona hora" (1999). En una exposición presentó un caballo embalsamado colgando del cielo raso, a cuatro o cinco metros de altura, mediante un arnés. Cattelan, durante su exhibición individual, en 1993, obligó a sus galeristas napolitanos a vestir las ropas de Tarzán y Jane.
Cattelan es un artista sofisticado y sabe que se burla del mundo del arte sin caer en la trampa de la ingenuidad de pensar que puede subvertir un sistema del que es parte

Damien Hirst (1)

Arte en subastas Damien Hirst
LONDRES.- Provoca escándalos con sus calaveras humanas incrustadas de diamantes, terneras doradas o tiburones en formol. Pero Damien Hirst, el artista vivo más rico del Reino Unido, causa controversia no sólo con sus obras.
Divide al sector también por la manera en que aumenta su fortuna. Vende obras directamente a través de la casa de subastas Sotheby's. El mundo del arte está al revés. "Damien Hirst escribe nuevas reglas para el mercado del arte", tituló recientemente la renombrada publicación especializada 'The Art Newspaper'.
Y es que hasta ahora los artistas vendían sus obras en la mayor parte de los casos a través de galerías o marchantes. Estos reciben un porcentaje del precio de venta, normalmente un 50%. "Para los galeristas y los marchantes no es bueno porque tienen miedo de que ahora se les eche del mercado", dijo Patrick Heide quien dirige su propia galería en Londres. Sin embargo, sólo artistas estrellas de la talla de Hirst podrían permitirse una jugada así, "porque poseen el correspondiente poder en el mercado".
Está claro que este hombre de 45 años lo tiene. Sus obras se venden por millones en todo el mundo; Sotheby's espera recaudar más de 80 millones de euros (unos 113 millones de dólares) con la subasta.
Para satisfacer la demanda, Hirst produce en cadena. Aunque para ello ha dejado de ser el único responsable del proceso de creación: no él, sino un ejército de artistas prometedores fabrican sus obras. "Para hacer arte al nivel que yo quiero, tengo que contratar a otras personas", se defendía Hirst. "Prada tampoco hace sus propias prendas, ni (el arquitecto estrella) Frank Gehry construye él mismo los edificios y nadie los descalifica".
Encantado con las críticas
Sin embargo, a él le gusta especialmente que lo difamen. Demasiado orientado a las masas, demasiado avaricioso, es lo que le reprochan compañeros, que seguramente no están libres de envidia, y eruditos.
"Muchos en este ramo se preguntan si lo que hace Hirst sigue siendo arte o sólo es negocio", explicó Heide. Hace poco aparecía publicidad de Hirst incluso en los diarios gratuitos de Londres que se reparten en el metro, no exactamente el medio preferido de las Bellas Artes. "No sé lo que es el arte. Pero si cuelga de una pared de Sotheby's, por definición es arte", declaró Hirst al diario 'Daily Telegraph'.
Tanto si es arte lo que hace como si no, Hirst, que creció en un ambiente de pobreza en la ciudad obrera de Leeds y que logró alcanzar el éxito en los años 90 con obras escandalosas de los llamados Young British Artists (jóvenes artistas británicos), es un apasionado coleccionista y posee una fortuna valorada en unos 1.250 millones de euros (cerca de 1.768 millones de dólares). Pero ahora circulan rumores de que sus galerías también tienen problemas para deshacerse de todas sus obras ante un mercado del arte que se va enfriando.
Su calavera humana incrustada de diamantes no fue vendida a una "compañía de inversiones" por unos 75 millones de euros (cerca de 106 millones de dólares), al contrario de lo que en un principio se dio a conocer. Detrás de esta sociedad se escondían entre otros Hirst y su galería White Cube y se les acusó de adquirir una participación de la calavera para mantener alto el precio artificialmente.
¿Necesita Hirst ahora del gigante de las subastas con su maquinaría de super marketing para deshacerse de su sobreproducción? Aparte, una subasta no es del todo inofensiva incluso para un artista tan famoso como Hirst. "Ya tengo pesadillas: lote 9, ninguna puja, lote 10, sin puja", explicó él mismo.
El mundo del arte espera con tensión estos días. ¿Funcionará el experimento o no? El marchante y coleccionista David Mugrabi lo ve filosóficamente: "Parece un juego para Damien. El quiere comprobar si saldrá impune de homicidio, al igual que hiciera entonces Duchamp con su urinal".

Takashi Murakami (1)

Takashi Murakami: "Me hice artista al ver de niño un cuadro de Goya que me creó mucho trauma" El Guggenheim acoge la próxima semana la más importante retrospectiva dedicada al artista japonés Bilbao. (Vasco Press).- El artista japonés Takashi Murakami (Tokio, 1962) ha llamado a todos los niños menores de diez años a visitar la "espectacular" exposición que a partir de la próxima semana le dedicará el Museo Guggenheim Bilbao. Según ha reconocido, se hizo artista tras haber visto de pequeño "un cuadro de Goya con un monstruo que comía a una persona" y que le creó "mucho trauma". "Desde entonces quiero tener como público a los niños", ha indicado. Murakami, al que no le importa que le denominen el 'nuevo Warhol japonés', es conocido internacionalmente por mezclar el arte tradicional japonés, el anime (animación) o el manga (cómic) con movimientos artísticos como el Pop americano y el Surrealismo europeo. Según ha reconocido durante su visita a Bilbao, para tratar de llegar al público infantil, al que en los últimos años presta especial atención, recurre al "lenguaje abstracto", de ahí que sus personajes tengan "muchos significados". De hecho, sus creaciones fueron ideadas para "expresar su identidad como japonés en el mundo occidental" ya que era "muy dificil entrar como artista en el mundo occidental, al igual que un occidental que quiera ser un dibujante de manga".Este creador nipón es consciente de que el público cada vez pide mayor calidad a los artistas, de ahí que haya creado la empresa Kaikai Kiku, que emplea de forma fija a cerca de 160 personas. Esta enorme organización tiene como objetivo apoyar a los jóvenes artistas y ayudar a crear obras con la marca Murakami. A su juicio, aunque el público no está acostumbrado a esta forma de trabajar en el mundo del arte, el mismo esquema es utilizado en el mundo de la música o la moda. Sus empleados son jóvenes que se han contado desde pequeños con ordenadores por lo que para ellos "lo importante es utilizar el ordenador".Así, a diferencia de 'The Factory', la empresa creada por Warhol en la que trabajaban "con drogas y en un ambiente de fiesta", en su organización, "la inspiración es el resultado de que más de cien personas están continuamente comunicándose por la pantalla". "La idea sale estando sentado frente al ordenador", explica. Fruto de ese trabajo es resultado también el diseño creado para la firma francesa Luis Vuitton, del que se han vendido numeros bolsos. A su juicio, la crisis económica mundial va a dar a los jóvenes artistas la oportunidad de debutar en el mundo del arte, mientras que a los artistas ya consagrados y con renombre "no les irá muy bien y podrían verse obsoletos u olvidados".
La muestra del Museo Guggenheim reunirá más de 90 obras, desde sus primeros trabajos de la década de los noventa en los que explora su propia identidad, hasta sus esculturas de gran escala, finalizando con su galería de objetos de 'merchandising', sus proyectos de animación y del mundo de la moda y sus últimos trabajos. La exposición arranca con una seria de pinturas creadas entre 1991 y 2000 con el objetivo de construir su autorretrato. Fruto de esa investigación interna, en 1993 creo un alter ego al que bautizó como Mr. DOB, un personaje inspirado en Sonic, símbolo de Sega, o Doraemon, un popular personaje animado japonés. Junto a las pinturas, el público tendrá oportunidad de contemplar las más aclamadas y controvertidas figuras escultóricas de los primeros años. La muestra acoge también las pinturas abstractas de Murakami y su trabajo en el mundo de la animación, así como alrededor de 500 objetos de mercadotecnia o las piezas creadas por el artista para la firma francesa Luis Vuitton en 2003.

Reapertura

Después de largo tiempo de haber abandonado esté blog, volvemos con ideas renovadas.

La idea es abarcar las diferentes expresiones culturales del Hombre, conjuntamente connuestras humildes opiniones. Feliz 2010.-