domingo, 25 de diciembre de 2011

Mimmo Rotella, el pop tialiano

Maestro italiano, nacido en 1918 en Catanzaro, Italia, trabaja en pintura y collage, fundamentalmente. Ha expuesto en todo el mundo, y es uno de los artistas con mas influencia del arte del sigo XX
Comenzo sus estudios de Arte en Napoles, mas tarde se mudo a Roma, donde no permanecio mucho tiempo: se enrolo en las fuerzas armadas. En 1944, abandono el ejercito y se graduo en la Academia de Artes de Napoles. Desde 1944 hasta 1945, impartio clases de dibujo en el Instituto de Aparejadores de su ciudad natal.
En 1945 se mudo a Roma: siguiendo sus comienzos figurativos y primeras experimentaciones, elaboro un modo de expresion pictorica de raiz neo geometrica. En 1949 invento "epistaltic", que consistia en una serie de palabras (algunas inventadas), silbidos, sonidos, onomatopeyas. En el mismo años escribio su Manifesto, publicado en 1955.
En 1951 tuvo su primer contacto con artistas franceses, posteriormente se mudo a Estados Unidos, alli creo una gran composicion mural y grabo poemas foneticos acompañado de instrumentos de percusion. En la Universidad de Harvard, en Boston realizo una performance de poesia fonetica y grabo otras piezas para la Biblioteca del Congreso en Washington.
Su viaje a Estados Unidos le ofrecio la posibilidad de conocer a los protagonistas del panorama artistico del comento: Rauschenberg, Oldenburg, Twombly, Pollock y Kline.
Tras su vuelta a Roma en 1953 experimento una crisis durante la cual interrumpio su produccion pictorica. Convencido de que todo en el arte ya estaba hecho, improviso lo que el mismo definio como "Iluminacion Zen". El descubrimiento de los posters publicitarios como expresion artistica, como el mensaje de la ciudad. Esto fue el origen del decollage, pegando trozos de posters arrancados de la pared sobre lienzo. Aqui, Rotella adopto el collage como el usado por los cubistas, "contaminandolo" con dadaismo, y cambiando el significado del objet trouve.
Mas tarde continuo con el llamado "doble decollage": el poster arrancado de la pared, y mas tarde modificado en el estudio.
En 1956 recibio el premio Graciano, y en 1957 el premio Battistoni e Della Pubblica Istruzione.
Aunque en los cincuenta la critica ya le reconocia como uno de los exponentes de la Nueva Pintura Romana, Rotella recibio los calificativos de "arrancaposters" o "el pintor del papel pegado". En 1958 le visito el critico frances Pierre Restany, una entrevista que dio lugar a una larga amistad.
La curiosidad del publico por sus extravagancias, por su vida bohemia, cristalizo en 1960, con la pelicula dirigida por Enzo Nasso dedicada a los Pittori arrabiati (pintores enfadados), y en la que Rotella dirigio la banda sonora.
En 1960 se unio al grupo Nouveau Realisme (aunque no firmo su manifiesto), grupo en el que encontramos nombres como el de Klein, Tinguely, Cesar, Spoerri, Arman y Christo. El grupo tambien incluia a artistas franceses dedicados al collage, como Hains, Villegle y Dufrene.
Ademas de decollages, Rotella tambien creo assemblages de objetos comprados en desguaces y basureros: chapas de botellas, tapones, trozos de cuerda, de hilos de bramante, etc.
El Po Art y el Expresionismo, llevados a Italia por Fontana y Burri, jugaron un papel importante en redireccionar la orientacion pictorica de Rotella. En 1960 conocio a De Kooning y a Rothko en Roma.
En 1972 publico su autobiografia, titulada "Autorotella".
El "Plastiforme" fue creado en 1975, posters arrancados sobre un soporte de poliuretano, que les otorgaban tridimensionalidad.
Durante los años ochenta elaboro sus "Blanks" o coperture d'affiches: carteles publicitarios, cubiertos con hojas de papel blanco, a modo de operacion conceptual. En 1992 el Ministerio de Cultura Frances le otorgo el titulo de Oficial de las artes y las Letras.
En 1999, el alcalde de su ciudad natal, Sergio Abramo, firmo una orden autorizando a Rotella a arrancar posters en Catazaro y sus alrededores.
Fallece en MIlán el 8 de enero del 2006

sábado, 17 de diciembre de 2011

Obra firmada por Warhol estrella en subasta de objetos de Liz Taylor en New York

Por más que en un principio su valor estuvo en duda, las célebres litografías hechas por Andy Wharhol siguen recaudando mucho dinero. Ayer, un retrato de Elizabeth Taylor y un vestido de Dior que perteneció a esa diva se convirtieron en las estrellas indiscutibles de una subasta que organizó Christie’s en Nueva York, en la que se recaudó más de 2,5 millones de dólares.
La litografía, la única obra de arte de la subasta centrada en el guardarropa de legendaria actriz de ojos turquesa, se convirtió de forma inesperada en la pieza más cara al adjudicarse por 662.500 dólares y multiplicar por trece el estimado inicial.
Además de por esta obra, que luce la dedicatoria “a Elizabeth con mucho amor” de puño y letra del maestro del “pop art”, los compradores se sintieron cautivados por un elegante vestido de noche que fue adjudicado por 362.500 dólares y multiplicó por setenta su precio estimado.
La prenda, valorada entre 4.000 y 6.000 dólares, es un vestido largo blanco con intrincados detalles en plateado y está firmado por Christian Dior, “la verdadera piedra angular del armario de Taylor”, según la máxima responsable de la venta, Heather Barnhart.
La actriz “lo descubrió al principio de su carrera y la marca le hacía ropa a medida”, señaló la experta, para quien las prendas de Taylor “constituyen toda una historia de la moda en el siglo XX, con llamativos vestidos estampados de los sesenta o chaquetas con pedrería de Versace de los ochenta”.
Precisamente una llamativa chaqueta de Versace, decorada con retratos de la actriz elaborados en pedrería, fue otra de las prendas que alcanzó un precio más alto: 128.500 dólares.
Valorada entre 15.000 y 20.000 dólares, esta prenda fue otra de las que superó su precio sugerido, algo que fue la norma en la subasta y una muestra del interés que suscita la figura y el estilo de Taylor.
Además, se vendió por 62.500 dólares el vestido que la actriz lució en su segunda boda con el actor Richard Burton en 1975, un etéreo vestido de Gina Fratini en seda de colores verde y rosa por el que Christie’s solamente esperaba recaudar entre 10.000 y 12.000 dólares.
El remate forma parte de una serie de ventas centradas en las pertenencias de la actriz que Christie’s inició el 13 de diciembre con la subasta de sus joyas, gracias a las que recaudaron casi 116 millones de dólares, lejos de los 30 millones que habían calculado.
En esta puja la estrella indiscutible fue una impresionante perla conocida como “La Peregrina”, un obsequio de Burton que se vendió por 11,8 millones de dólares, con lo que estableció un récord mundial de venta de una piedra preciosa durante una subasta. Otro retrato de la actriz fallecida en marzo a los 79 años, también firmado por Warhol –el “Liz 5”–, se había vendido este año en casi 27 millones de dólares.

jueves, 15 de diciembre de 2011

José Gutiérrez Solana. Creador Expresionismo peculiar y trágico.

(Madrid, 1886 - 1945) Pintor español. Se le considera el creador de un Expresionismo peculiar y trágico.
No obstante, a pesar de la notable originalidad de sus obras, posee influencias de algunos pintores españoles tradicionales como Valdés Leal, Ribera, Goya, Zurbarán, EI Greco y el primer Velázquez, sin olvidar la producción de Brueghel el Viejo.
Su pintura es de gran solidez. La pastosidad es algo característico en sus trabajos. Independientemente de los colores que utilice, la materia siempre es tratada con gran sensualidad y ternura, siendo los colores dominantes el ocre y el negro.
En su técnica predomina el empleo de contornos muy marcados junto a potentes pinceladas que distribuyen el color, dando lugar a dramáticas escenas de imponente estructura compositiva.
Pasó su infancia en Santander y, alentado por su padre, inició estudios de pintura con su tío. Su talento precoz le llevó a abandonar el bachillerato y a empezar a participar en varios certámenes de pintura.
Los temas que representa en sus pinturas se corresponden con sus ambientes vitales. Destacan especialmente tres bloques: los relacionados con los tipos, las calles y las fiestas populares madrileñas, los que inciden en la representación de los usos y costumbres de la España negra, y finalmente, los retratos, ya fueran de intelectuales como de amigos suyos.
Su estilo, heredado de la tradición tremendista de Goya e influenciado por autores como Roualt, Munch, Kokoschka, Nolde y Soutine, define el carácter de un hombre adusto y torturado. Ello se traduce en una pintura marcada por la aparición de personajes populares y de los bajos fondos, con los que Solana muestra su particular visión de la condición humana. Autor de corte realista, se le considera el introductor del movimiento expresionista en España.
En 1917 regresó a Madrid y comenzó a frecuentar varias tertulias de café. En La tertulia del Pombo, el autor retrató a parte de la Generación del 98, a la que se le considera adscrito. Su interés por representar temas de tono costumbrista y, en especial, por reflejar la vida callejera del Madrid de su época, aparece en obras como El ciego de los romances, Los payasos, Los traperos, El rastro, El patio de los caballos o Carnaval. En ellas tiende a utilizar colores oscuros y a recrearse en la dureza de los rostros de sus personajes.
La obra de Solana fue inicialmente rechazada por la crítica de la época, y hasta 1929 no recibió su primer premio importante: la Medalla de la Exposición Universal de Barcelona. Un año antes había sido invitado por Edgar Neville a París, donde causó muy buena impresión en los ambientes culturales de la capital francesa. Fue en París donde el autor pasó parte de la guerra civil española y donde logró su mayor reconocimiento.
Con la finalización del conflicto bélico, el autor regresó a España y, pocos días después de su fallecimiento, le fue otorgada a título póstumo la Medalla del Honor Nacional. Considerado como el mejor cronista gráfico de la España del primer tercio del siglo XX, Solana combinó su actividad pictórica con la publicación de varios ensayos. El primero de ellos lleva por título Madrid, escenas y costumbres (1913-1919). A éste le siguieron La España negra (1920), Madrid callejero (1923) y Dos pueblos de Castilla (1924). En 1926 se editó su única novela, titulada Florencio Cornejo. Sus escritos proporcionan una visión costumbrista y esperpéntica de la España de principios del siglo XX.

viernes, 9 de diciembre de 2011

Josef Albers (1888-1976) y el Op Art

 
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Josef Albers nació en Alemania en 1988. Estudió en la Bauhaus entre 1920 y 1923, trás lo cual sehizo profesor. En 1933 se traslado a Estados Unidos, donde murió en 1976. Trabajó mucho con la geometría del cuadrado con su serie de pinturas "Homenaje al cuadrado", estudiando el color en todas sus propiedades y en su interacción con otros colores. Tras ocho años de estudio con el color, se editó en 1963 "La interacción del color", una obra, como él mismo dice, "de veintidós libras de peso y doscientos dolares de precio" con 150 estudios sobre el color a gran tamaño algunos de los cuáles presentan idénticos colores que son distintos o nos hacen ver tres colores como si fueran dos o, por contra, como si fueran cuatro. En muchas de sus obras utiliza el "contraste simultáneo", en el que un color modifica a otros en dirección a su complementario. En general estaba interesado en lo que él llamaba "la discrepancia entre el hecho físico y el efecto psíquico". Dado el precio y el tamaño de la obra, Albers y la editorial decidieron editar un resumen de la obra en tamaño normal, con el texto original pero sólo unos pocos ejemplos.
Sus obras son menos espectaculares en una primera impresión que las de otros artistas ópticos pero a veces esa sencillez hace que los contrastes tengan más efecto. En general, Albers está considerado quizá, junto con Vasarely, como el gran impulsor del arte óptico.
J

domingo, 4 de diciembre de 2011

El artista argentino Eduardo Pla, pionero en experimentar aristas desconocidas del arte convencional, expone sus 40 años de trabajo en la sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta, hasta el 4 de diciembre. Si bien gran parte de sus creaciones son intangibles, se pueden apreciar a través de los 60 plasmas instalados en la sala que proyectan un total de 350 obras.
La selección de trabajos para la muestra, llamada “Pla, 40 años en el arte”, tomó un año y refleja la fusión del arte convencional con el digital. Sin embargo, los retratos más admirados son los de Eva Perón y Carlos Gardel, formados con fotos pequeñas de estas personalidades. Otros de los más destacados son los cuadros confeccionados íntegramente con cápsulas de Nespresso (En las imágenes de abajo, la bandera argentina).
La galería es un viaje por la vida artística de Pla, pero al mismo tiempo es un inconsciente recorrido sobre el avance tecnológico: se pueden encontrar desde filmaciones cortas en formato Super 8, hasta “Full Moon”, una luna de 3 metros de diámetro en una sala completamente espejada, donde se muestra el lado oscuro del satélite natural. Pla confeccionó esta obra a partir de planos que fueron enviados desde la NASA. Además, decidió que su única iluminación interna fuera una lamparita bajo consumo, para fomentar el ahorro de energía. En 2007, la esfera se expuso en la orilla del Río de la Plata e iluminó así, el Pabellón de las artes de la Universidad Católica.
Pla confesó: “No tengo grandes expectativas. Lo que intento mostrar son 40 años de arte de un modo comprensible, ordenado y claro para que la gente me entienda al mismo tiempo que disfrutan de mis ideas”.
¿Quién es?
Eduardo Pla nació en Buenos Aires en 1952. Vivió más de 20 años en Europa y Estados Unidos. Desde 1996 está radicado en la Argentina. Estudió arquitectura, comunicación audiovisual, diseño y urbanismo. Fue precursor en la realización de videoclips (Blue Monday, de los ingleses New Order), y en la animación 3D. Recibió cuatro premios internacionales. En sus obras, suele jugar con las ilusiones ópticas. Se lo califica como un artista inclasificable.
Nota realizada por Ana Valeria Sarra junto a Nicolás López Becerra

sábado, 3 de diciembre de 2011

Francisco Bores (1898 - 1972)

Madrid, 1898 - Paris, 1972
Maestro del grupo español de la Escuela de Paris. Su obra se rige por la esquematizacion pero con una gama cromatica suave. La pintura de Bores hace gala de la investigacion del creador por los juegos cromaticos y el alejamiento de lo anecdotico o superfluo, por lo que no se encadena a lo narrativo ni lo descriptivo.
Tras iniciar sus estudios de Ingenieria y Derecho ingresara en la academia del pintor Cecilio Pla, en la que se forma a lo largo de tres años.
En contacto con el circulo ultraista madrileño frecuenta las tertulias de los cafes Gijon y Pombo. De esta epoca floreciente data su amistad con Ortega y Gasset, Salvador Dali, Federico Garcia Lorca y otros miembros destacados de las vanguardias del momento.
Lleva a cabo ilustraciones para Revista de Occidente, España, El Sol, etc. Segun el propio pintor destaca, conoceria una primera etapa de clasicismo renovado (entre 1923 y 1925) para derivar posteriormente en un estilo neocubista (de 1925 a 1928).
Es hacia finales de los años veinte cuando se aprecian en su obra cambios relevantes que relacionan su lenguaje con el primer cubismo o cubismo analitico y que le convierten en uno de los mas celebres representantes de la Escuela Española de Paris.
De 1934 a comienzos de los cuarenta retorna a los interiores y sintesis espaciales de figuracion intimista que recuerdan a Cezanne, Derain o Matisse. A mediados de siglo desemboca en una estetica que se encamina definitivamente a la abstraccion; conoce la denominada "manera blanca", que reviste de claridad y poderoso dominio de la luz sus naturalezas muertas liberandose del ensombrecimiento que habia conocido en epocas anteriores.
Sus obras se encuentran, entre otras en las siguientes COLECCIONES:- Fine Arts Museums of San Francisco- Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia (MNCARS)- Fundacion Telefonica