Motos, educación y arte

El 26 de abril, la Fundación Pro Moto organizará un cockatil en la galería Angel Guido Art Project, en Suipacha 1217 de la Ciudad de Buenos Aires, para exhibir los 24 cascos intervenidos por reconocidos artistas plásticos en el marco del evento más emblemático del arte porteño, el "Gallery Nights".

Bajo la consigna “El arte es nuestro vehículo: queremos llegar a tu cabeza”, la fundación lanzó el primer Circuito de Cascos intervenidos, muestra itinerante que apunta a promover el uso seguro de la moto mediante la exhibición y posterior remate de 25 cascos convertidos en verdaderas obras de arte.

Con el objetivo es generar conciencia y así reducir las más de 1800 muertes por año que involucran a motocicletas en la Argentina, Pro Moto organizó este circuito que inició su recorrido en el "Gallery Nights" de Punta del Este, en Le Touquet Argentino, en la última edición del BAFWEEK y, próximamente, en el Centro Cultural Recoleta.

“Basados en estadísticas de la Organización Mundial de la Salud, actuamos con el convencimiento de que solamente con el uso del casco abrochado se puede evitar el 80% de las muertes y siniestros graves”, asegura Ricardo Ribatto Crespo, presidente de la Fundación.

Como respuesta a estas cifras y buscando amplificar el mensaje de seguridad vial, durante 2011 la Fundación convocó a 24 artistas de la talla de Milo Lockett, Eduardo Pla y Fabiana Barreda, quienes desplegaron su talento e hicieron su valioso aporte a la causa dando vida a esta acción que enlaza el arte con lo social y lo educativo.

La Fundación Pro Moto es una ONG que promueve el uso seguro de la moto a través de campañas de educación y concientización. Nació en 2007 y desde entonces desarrolla a nivel nacional diferentes actividades que fomentan la seguridad activa (evitar accidentes) y la seguridad pasiva (disminuir las consecuencias de los siniestros).

info@fundacionpromoto.org.ar | www.fundacionpromoto.org.ar

Acerca del circuito de cascos intervenidos. “Educando a través del arte. Circuito de cascos intervenidos” es una muestra itinerante en la que intervienen 24 artistas -de trayectoria y emergentes- y que apunta principalmente a generar conciencia sobre la importancia del uso correcto del casco mediante la exhibición, y posterior remate, de estas obras de arte.

El Circuito inauguró su recorrido el jueves 29 de diciembre en la nueva casa de BMW Sommerhaus.12, donde permaneció durante todo el mes de enero. La firma de indumentaria Kosiuko-Herencia Argentina también se sumó desinteresadamente a la causa de la Fundación en su local de La Barra con la exposición de algunas obras. Por último, el circuito fue parte del "Gallery Nights" de Punta del Este con cascos exhibidos en el atelier de Adrián Martínez Bojko y se exhibió del 28 de febrero al 2 de marzo en el BAFWEEK 2012.

A partir de abril la muestra recorrerá aeropuertos, galerías y museos de Buenos Aires y el resto de la Argentina, y para el cierre se realizará un importante remate en el Artespacio San Isidro.

Fuente: http://www.gacetamercantil.com.ar/notas/15316/fundaci%C3%B3n-pro-moto-educando-trav%C3%A9s-del-arte.html

Ikenaga Yasunari y el "Nihonga"

Ikenaga Yasunari es un artista japonés cada vez más conocido en Occidente. Su espaldarazo a la fama fue la última Art Fair Tokyo de 2011 (abril), en que se vendió toda su obra expuesta el primer día. Sus cuadros representan a hermosas mujeres, cuyas expresiones y posturas sugieren una atmósfera de nostalgia. Son siempre mujeres japonesas modernas, pero tratadas con un estilo de pintura que refleja las antiguas tradiciones japonesas o "Nihonga", lo que da a sus obras una sensación atemporal

Datos biográficos.

Poco sabemos de Ikenaga Yasunari: que nació en 1965 en la prefectura de Oita y que se graduó en la High School Midorigaoka Universit en 1984. Sus primeras exposiciones son de 2004.

Materiales y técnica.

Las pinturas, ligeramente polícromas, están hechas con pigmentos que obtiene a partir de minerales, conchas, corales e incluso piedras semipreciosas como la malaquita, la azurita y el cinabrio. El aglutinante es la cola de pez. Para darle más sensación de lujo incluye a veces finas láminas de plata y oro. La pintura se extiende con agua y con pinceles especiales Menso, muy pelo muy fino, lo que permite la calidad de detalle.

Pese a que su pintura se puede definir como tradicional o "Nihonga", Yasunari introduce algunos elementos extraños a la cultura Japonesa, que proceden de la pintura occidental. El soporte es el primer elemento rupturista de este pintor al utilizar lienzos de tela de lino, en vez del tradicional washi (papel artesanal japonés) o la seda. También utiliza la técnica del sombreado en algunas partes de los rostros, como labios u ojos, lo que les confiere mayor volumen y expresividad, pero ésto precisamente le aparta del "Nihonga" de planos de color uniformes. Los motivos vegetales que visten o con las que se rodean sus mujeres recuerdan a los diseños de Arts & Crafts y del modernismo, evidentemente influidos éstos a su vez por la moda y la estampa japonesa del siglo XIX.

Estilo. La belleza de lo efímero.

Yasunari combina el estilo artístico de las antiguas pinturas japonesas con los temas modernos.

Los principios estéticos del arte japonés están presentes en sus obras, como:

• - Kokoro o una especial sensibilidad entre la sensación y el pensamiento racional.
• - Miyabi o estética de líneas elegantes.
• - Mono no aware o empatía hacia las cosas efímeras. Es decir, nostalgia ante la belleza de las cosas que tan pronto las ves desplegadas, como un abanico, como se pierden.

- Yugen o atmósfera de misterio y profundidad, algo que está suspendido entre la presencia y la ausencia. Es más una sugerencia, que un perfil acabado. Es aquello que sólo puede ser sugerido, pero no definido, es una gracia refinada y subyacente.

- Wabi o convencimiento de que la belleza debe nacer de la simplicidad extrema, que los rostros, por ejemplo, sean serenos en busca del recogimiento interno y no reflejen gestos o sentimientos grandilocuentes.

- Sabi o estética de la presencia del paso del tiempo en los objetos. Esa pátina de color sepia que tienen los cuadros que hace que pensemos que estamos ante fotografías antiguas

- Fukinsei o búsqueda de la asimetría en las composiciones.

A ello hay que añadir el toque de sensualidad y la atmósfera de ensueño que siempre tienen sus mujeres. Sus expresiones y posturas naturales atraen necesariamente al espectador. Y tan atractivos como sus rostros son las ropas que visten con motivos florales o rayas.

En su página web podéis seguir viendo su obra, en la que cada cuadro se acompaña de un poema sugerente o haiku.

Fuente: http://algargosarte.lacoctelera.net/post/2012/03/04/ikenaga-yasunari-pintor-japon-s-nihonga-belleza-femenina

Damien Hirst llega a la Tate Modern de Londres

Controvertido y cada vez menos rebelde, Damien Hirst se consagró hoy a sus 46 años como uno de los artistas más influyentes del Reino Unido con su primera gran retrospectiva en la Tate Modern de Londres, templo del arte contemporáneo.
El antiguo "enfant terrible" de la escena artística londinense, que en los años noventa escandalizó con sus animales muertos metidos en formol, ha dejado atrás su viejo escepticismo para entregarse de lleno a la jerarquía del mundo del arte, donde ahora es poco menos que el rey.
Con veinticinco años de carrera a sus espaldas, Hirst ha accedido por fin a mostrar su trabajo en la Tate, museo que en sus inicios despreció porque era "donde exponían los muertos" y que ahora acogerá su obra del 4 de abril al 9 de septiembre.
"Creo que lo había estado evitando porque de alguna manera me intimidaba" , confesó hoy el artista en una breve aparición para presentar la exposición a la prensa.
"Todos crecemos y maduramos, y él es ahora un artista de mediana edad que se ríe de los comentarios que hizo en su juventud" , apuntó en declaraciones Ann Gallagher, comisaria de la muestra.
"Damien Hirst" recorre la trayectoria del creador desde su época de estudiante a finales de los años ochenta hasta la actualidad, en que se ha convertido en el artista británico vivo más cotizado y favorito de coleccionistas millonarios.
Hirst amasó una fortuna cuando en 2008 subastó en la casa Sotheby's por cuenta propia, puenteando así a las galerías de arte, varias obras que recaudaron 70.5 millones de libras (127 millones de dólares o 89 millones de euros) , de ellas la más cara "The Golden Calf" , adjudicada por el récord de 10.3 millones de libras (18.6 millones de dólares o 13 millones de euros).
Aunque en esta exposición no está ese becerro de oro, sí se cuentan algunos de sus trabajos más emblemáticos, incluido, en una sala especial, el cráneo incrustado de diamantes titulado "For the Love of God" .
También se puede ver por primera vez desde su concepción en 1991 "In and Out of Love" , un "invernadero" donde vuelan las mariposas y que linda con otra sala en la que se exponen cuadros hechos con estos insectos muertos.
Una de las obras más impactantes es "A Thousand Years" , de 1990: una vitrina con una sanguinolenta cabeza de ternera rodeada de moscas que pretende simbolizar el ciclo de la vida.
"La fragilidad de la vida y su relación con la muerte son temas constantes en Hirst, que además es muy consistente con sus motivos, que suelen ser mariposas, cigarrillos o las medicinas" , explica la comisaria.
La exposición de la Tate, muy accesible y que sin duda será un éxito de público, incluye los lienzos con lunares de colores que se han convertido en la marca de Hirst en todo el mundo, junto con los animales metidos en líquido, como vacas, tiburones, peces u ovejas.
Está su cenicero gigante lleno de colillas (Crematorium, 1996) , otro recordatorio de la inevitabilidad de la muerte, y, en la misma línea, su exploración del cuerpo humano y sus dolencias a través de vitrinas con cientos de medicamentos.
Audaz y creativo, su obra, que en su día conmocionó a la crítica, refleja las preocupaciones de la llamada generación de Jóvenes artistas británicos, a la que pertenece también la ya no tan joven Tracy Emin.
"Sin duda, Hirst es uno de los artistas más prominentes de esa generación y su trabajo resume la época que les tocó vivir como estudiantes, cuando Londres era muy diferente y no podían soñar con exponer en las grandes galerías" , afirma Gallagher.
Ese rechazo por lo nuevo de la jerarquía artística de entonces llevó a Damien Hirst a organizar Freeze, una exposición alternativa donde él y sus colegas del Goldsmith College mostraron sus obras, muchas de las cuales fueron posteriormente adquiridas por el coleccionista Charles Saatchi.
Pese a alcanzar la fama y el reconocimiento, aún hay bastantes críticos en el Reino Unido que cuestionan el arte de este inglés nacido en Bristol, cuyo flirteo con la pintura en 2009 recabó catastróficas críticas.
¿Es o no arte lo que hace Damien Hirst?, es la pregunta recurrente. "Esta exposición ofrece la oportunidad de ver toda su obra junta y formarse una opinión, dejando de lado prejuicios" , responde Gallagher.

Fuente: http://www.eluniversal.com.mx/notas/839425.html

Fernando Botero. Una celebración en México



Flores (2006)

Este 29 de marzo el Museo del Palacio de Bellas Artes, del INBA, abrió al público la exposición Fernando Botero. Una celebración, la mayor retrospectiva realizada hasta el momento de quien ha sido sin duda uno de los más reconocidos artistas latinoamericanos desde la segunda mitad del siglo XX. La muestra forma parte de los festejos por sus ochenta años de vida, mismos que también incluirán exposiciones en España, Brasil e Italia.

La exposición fue realizada con el apoyo de Amigos del Museo del Palacio de Bellas Artes, Credit Suisse (patrono corporativo del museo por segundo año consecutivo), la Fundación Mary Street Jenkins, la Gerencia del Palacio de Bellas Artes, el Goethe-Institut Mexiko, El Palacio de Hierro, Montblanc y Casa Torres.

Se trata de la quinta ocasión en que Botero exhibe en México. Tras la primera exposición en México, realizada hace más de cincuenta años, expuso en 1989 en el Museo Rufino Tamayo, en 1999 en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey MARCO, y en 2001 en el Antiguo Colegio de San Ildefonso.

La curaduría de Fernando Botero. Una celebración estuvo a cargo de Lina Botero, hija del artista, quien buscó llamar la atención sobre los atributos formales (la técnica, la composición, la forma, la luz y el color) en la obra del artista colombiano, además de ofrecer un panorama de los temas que ha trabajado en sus más de sesenta años de trayectoria.

Fernando Botero nació el 19 de abril de 1932 en Medellín, provincia de Antioquia, Colombia. Y actualmente vive y trabaja entre Francia, Mónaco, Italia, Grecia, Estados Unidos y Colombia. A lo largo de su carrera, se ha caracterizado por la exploración de la sensualidad –que él asocia con la abundancia, la generosidad y la celebración de la vida–, y por la exaltación del volumen y la redondez de las formas –que no de la gordura–, que sin duda genera placer en el espectador. Ha desarrollado su característico estilo figurativo –llamado por algunos boterismo– dentro de la pintura, la escultura, el dibujo y la ilustración.

Además de interesarse en el retrato, las escenas costumbristas, la representación de la naturaleza y del cuerpo femenino –todo ello a partir de la memoria–, Botero ha sido un observador de la situación política y social de su natal Colombia y el resto del mudo, de manera que también ha tratado en su obra temas relacionados con diferentes aspectos de la violencia. Ha realizado asimismo numerosas paráfrasis de obras de artistas tan diversos como Andrea Mantegna, Diego Velázquez, Leonardo Da Vinci, Peter Paul Rubens, Hélène Fourmet, Alberto Durero, Èdouard Manet, Hyacinthe Rigaud y Michelangelo Merisi da Caravaggio, al conceder gran importancia a las influencias y a la observación en la formación del artista.

Fernando Botero. Una celebración, el Palacio de Bellas Artes, reúne un total de 177 obras (entre óleos, dibujos, piezas con técnica mixta, y esculturas de pequeño formato y monumentales), procedentes de colecciones particulares, del Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive de la Universidad de California, y de la Fundación Mary Street Jenkins.

El recorrido está organizado a partir de diez núcleos temáticos. En primer lugar, bajo los títulos de Obra temprana y América Latina, se agrupan los temas recurrentes en el trabajo de Botero: la Colombia de su infancia y la América Latina de su adolescencia. Tras el apartado Religión y clero, se exhiben en el de Dibujo y técnica mixta varios trabajos en lápiz, carboncillo, pastel, sanguina, tinta, acuarela y tiza. Se presenta enseguida un grupo de once obras tridimensionales de pequeño formato dentro del núcleo de Escultura, mientras que otras cinco de formato monumental ocupan la explanada del museo.

En el segundo piso del Palacio, la exposición continúa con obras realizadas a partir de 2006 sobre El circo, tema en el que Botero encontró una infinidad de posibilidades plásticas y de colorido. Más adelante se exhibe, por primera vez, la serie de Abu Ghraib, en torno a las torturas llevadas a cabo en aquella cárcel iraquí a raíz de la invasión estadounidense. En el apartado titulado Versiones, se reúnen varias obras que, con el estilo particular del artista colombiano, rinden homenaje a los grandes maestros de la pintura universal –entre ellos, Piero della Francesca, Pablo Ucello, Peter Paul Rubens y Diego Velázquez. Por último, se presentan varias obras en torno al tema de los toros en el núcleo dedicado a La corrida, mientras que la exposición cierra con un grupo de bodegones bajo el título de Naturaleza muerta.

Fernando Botero. Una celebración permanecerá en las siete salas de exhibición y la explanada del Museo del Palacio de Bellas Artes hasta el próximo 17 de junio de 2012. Estará acompañada por diferentes actividades educativas, entre las que habrá conferencias, actividades infantiles, visitas guiadas para niños y proyección de documentales. El museo pondrá también a disposición del público un folleto sobre la exposición.

El libro-catálogo cuenta con textos de Mario Vargas Llosa, Carlos Fuentes, Jaime Moreno Villarreal, Juan Gustavo Cobo Borda y Lina Botero. La publicación incluye también cinco cuentos escritos e ilustrados por el artista, así como una biografía y una selección bibliográfica. El tiraje cuenta de 2,500 ejemplares en español, 100 de los cuales corresponden a una edición de lujo firmada por Botero. La presentación se llevará a cabo el 30 de marzo a las 11:00 horas, en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes.

Museo del Palacio de Bellas Artes. Avenida Juárez esquina Eje Central Lázaro Cárdenas, Centro histórico, Delegación Cuauhtémoc, México D.F. Entrada general $35.00 / entrada libre a estudiantes, profesores o miembros del INAPAM con credencial vigente. Informes: 51.300.900 / museopalaciodebellasartes.gob.mx / www.palacio.bellasartes.gob.mx / www.bellasartes.gob.mx

Fuente: http://www.arts-history.mx/semanario/especial.php?id_nota=29032012112852