Robert Rauschenberg y la cultura popular de Estados Unidos

Robert Rauschenberg nació en Port Arthur, Texas, en 1925. Al igual que muchos artistas de su generación, sirvió en el ejército durante la década de 1940 y utilizó la ley de veteranos para asistir a la universidad. Estudió en Black Mountain College cerca de Asheville, Carolina del Norte, donde trabajó bajo Josef Albers y donde conoció otros artistas progresistas que formaron en gran medida su identidad artística, entre ellos John Cage y Merce Cunningham.

Rauschenberg estaba profundamente interesado en la iconografía de la cultura popular estadounidense. Evitó el estilo emocional de los Expresionistas Abstractos, sin perder la expresividad que manifestaban, al desarrollar un estilo que enfatizaba el collage y utilizaba materiales poco comunes como pintura de interiores, así como técnicas tales como pintar con una llanta sumergida en pintura. Extendió sus collages incorporando objetos tridimensionales, a los que llamó “combinados.” Esta innovadora técnica contribuyó al desarrollo del arte moderno y a la expresión creativa. Sus obras en ocasiones se califican de Neo-Dada. La fascinación de Rauschenberg con la imaginería popular, y su estética del todo vale, influyeron indiscutiblemente sobre el arte Pop, que imitaba la apariencia de la cultura popular, por oposición a las versiones más subjetivas de Rauschenberg.

Rauschenberg utilizó imágenes de acontecimientos contemporáneos tomadas de revistas y diarios para su collage de 1964 Retroactive 1 (1964). Una enorme fotografía de prensa de John F. Kennedy hablando en una conferencia televisada fue la fuente para esta serigrafía sobre lienzo. Superpuso a la imagen de Kennedy otra serigrafía fotográfica de un astronauta en paracaídas. La superposición, y la aparente disparidad de la composición crea un colorido comentario visual sobre una cultura saturada por los medios que lucha por comprender la era de la televisión.

Fallece en Mayo del 2008.-

Fuente: http://www.warhol.org/sp/app_rauschenberg.html

Richard Hamilton (1922-2011). Padre del 'pop art'

El 'pop art' se ha quedado huérfano. Literalmente. El artista británico Richard Hamilton -el autor de una obra que muchos consideran la primera que se inscribe totalmente en este movimiento, en 1956, y el que acuñó el propio término, un año después- ha muerto en septiembre del 2011. Tenía 89 años.

Pese a su edad, el artista había estado trabajando hasta hace sólo unos días en una retrospectiva que iba a exhibirse en Los Ángeles, Filadelfia, Londres y Madrid en 2013 y 2014, según informó su galería.

Con su muerte, el Arte pierde al artista británico más influyente del siglo XX. "Esto puede sonar como una afirmación sorprendente. Tenemos nuestros iconos nacionales y nuestras celebridades pop. Pero ni Francis Bacon ni Lucian Freud ni Damien Hirst han configurado el arte moderno del modo en que hizo Hamilton cuando colocó una piruleta [lollipop, en inglés] con la palabra POP en la mano de un hombre musculoso en su collage de 1956, 'Just What is it that Makes Today's Homes So Different, So Appealing?' ['Qué es lo que hace las casas de hoy tan diferentes, tan atractivas']", asegura el diario británico 'The Guardian'.

Ese icónico fotomontaje está considerado el primero que se inscribe totalmente en el 'pop art'. Otra de sus creaciones más famosas fue la carátula del 'White Album', el doble disco de los Beatles que impactó, además de su contenido, por una portada de ese color con únicamente el nombre de los 'fab four'. El artista también se asocia a menudo con los acelerados años 60, sobre todo por su pintura de Mick Jagger y el marchante de arte Robert Fraser, con esposas, tras una redada antidrogas.

Hamilton acuñó el mismo término de 'pop art', en una nota a algunos arquitectos que estaban considerando organizar una exposición con él. "El 'pop art' es popular (designado para una audiencia de masas), transitorio (una solución a corto plazo), prescindible (fácilmente olvidable), 'low cost', producido en masa, joven (dirigido a la juventud), ingenioso, sexy, efectista, glamuroso, un gran negocio", escribió en 1957 el artista, tan recordado por su talento como por su sentido del humor.

"Muy admirado por sus colegas, incluidos [Andy] Warhol y [Joseph] Beuys, Hamilton creó una serie de exquisitas pinturas, dibujos, grabados y collages con los temas del glamour, el consumo y la cultura popular, recordaba Nicholas Serota", director de la Tate gallery de Londres.

Aunque menos conocido para el gran público que otros integrantes del movimiento Pop Art, como Warhol, "su influencia en las siguientes generaciones sigue siendo inconmensurable", lamenta su galerista, Larry Gagosian, quien lo define como un "artista pionero de dotes, invención y autoridad sin parangón".

Fuente: http://www.elmundo.es/elmundo/2011/09/13/cultura/1315931811.html

Atsuko Tanaka (1932-2005): El arte de conectar

El EACC de Castellón repasa la trayectoria de una de las artistas japonesas más representativas de los cincuenta y los sesenta
Casi cien trabajos cedidos por veinticinco colecciones internacionales componen "El arte de conectar", exhibición que mañana inaugura el Espai d´ Art Contemporani de Castellón en homenaje a Atsuko Tanaka. La muestra ha sido organizada en colaboración con la Ikon Gallery de Birmingham, el Museum of Contemporary Art de Tokio y la Japan Foundation y examinará al completo la carrera artística de la japonesa, desde sus primeras performances documentadas hasta las pinturas que realizó poco antes de 2005, año de su fallecimiento.

Entre 1955 y 1965, Atsuko Tanaka formó parte del movimiento Gutai, junto a Jiro Yoshibara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto, Saburo Murakami, Katsuo Shiraga, Seichi Sato y Akira Kanayama. Este colectivo, bien conocedor de la actualidad artística de entonces en Europa y en Norteamérica, desarrolló acciones de carácter irónico y agresivo (ruptura de objetos, uso de humo) en las que manifestaba su rechazo al consumismo capitalista en boga tras la II Guerra Mundial. Se considera que los artistas de Gutai ampliaron las nociones del action painting y el Informalismo hasta transformar estas tendencias en ritos de agitación.

Tras salir de Gutai y desde mediados de los sesenta, Tanaka inició series de pinturas abstractas de vivo cromatismo, muy personales y de tono ornamental, pero no ciegamente optimistas.

Entre los trabajos de Tanaka que podremos ver en el EACC figuran dos collages de Calendar (1954), realizados durante una hospitalización contando los días que faltaban para su salida; otras dos piezas, éstas en papel impreso, de la minimalista y meditativa serie Work (1954-1955); las conocidas Bell (1955) y Electric dress (1956) y telas elegantes de elaboración agitada pertenecientes a su etapa Gutai, agrupadas en Gutai Study (1957) y Gutai Painting (1961-1963).

Fuente: http://www.masdearte.com/index.php?view=article&catid=37&id=13989&option=com_content&Itemid=26

Willem de Kooning en el MOMA

El Museo de Arte Moderno de Nueva Yor (MoMA) dedica por primera vez una exposición a Willem de Kooning (1904-1997), icono del expresionismo abstracto, en la que reúne unas doscientas obras del que fue uno de los artistas más destacados y prolíficos del siglo XX. La retrospectiva, que se podrá visitar hasta el 9 de enero de 2012, ocupa la sexta planta del museo de arte moderno de Nueva York, con casi 200 obras, entre pinturas, esculturas o dibujos, procedentes tanto de museos como de colecciones privadas y públicas, y desplegadas en siete salas que ocupan más de 1.500 metros cuadrados.

La exposición tendrá lugar hasta el 9 de enero del 2012 y entre algunas de sus obras se encontrarán Pink Angels (1945) y Excavation (1950)

Fuente: http://www.elcultural.es/galerias/Galeria_de_imagenes/0/cultural/portada

http://moma.org/visit/calendar/exhibitions/1149