Neoimpresionismo: George Seurat (1859 - 1891) y Las modelos (1888)

Las modelos fue la tercera gran pintura que George Seurat expuso y su segunda obra completamente divisionista o neoimpresionista. Como casi todas sus obras, se trata de un lienzo de grandes dimensiones, cosa que recalca la pequeñez de los puntos y el meticuloso proceso de creación de la pintura. Disponía los puntos de cada tonalidad hasta componer la imagen final multicolor. El lienzo muestra una modelo en tres poses, desnudándose, posando y vistiendo en el estudio del artista ante su obra La grande Jatte, apoyada en la pared. Probablemente Seurat pretendiera mostrar que un tema tradicional podría someterse a su técnica tanto como cualquier materia impresionista. Diseminados por el suelo hay elementos de la La Grande Jatte, incluidos sombreros, zapatos, parasoles y un cesto con flores.

Fuente: 50 cosas que hay que saber sobre arte, de Susie Hodge

War, time and love (Banksy, Dalí, Ross, Blake, Gorriarena, De Felipe, Reinhardt)

Un museo tuvo un Picasso 50 años olvidado en el depósito. Trabajo en vidrio. "Mujer sentada con sombrero rojo"

Es una de las pocas obras que el pintor español hizo en vidrio. Pero al registrarla, en Indiana, pensaron que era de otro artista.

Una obra del pintor español Pablo Picasso pasó olvidada casi medio siglo en el depósito de un museo de Estados Unidos. El Museo de Evansville en Indiana explicó ayer que la obra conocida como "Mujer sentada con sombrero rojo", elaborada en vidrio, había pasado desapercibida en sus fondos artísticos debido a un error de catalogación.
Según el museo, al registrar la obra se confundió el nombre de la técnica de elaboración artística, "Gemmaux", con el nombre del pintor. Al realizar un estudio sobre las obras de Picasso elaboradas en vidrio, una casa de subastas de Nueva York realizó una consulta al museo, y fue así como se detectó el error.
La obra, datada entre 1954 y 1956, muestra a la durante años pareja de Picasso, Marie-Thérèse Walter, y el museo la recibió en 1963 como donación de un diseñador industrial. Y saldrá a la venta a través de una casa de subastas en Nueva York porque el museo admitió en un comunicado. que no puede solventar los gastos para garantizar la seguridad de la obra, potencialmente muy valiosa". Se estima que en todo el mundo hay sólo unos 50 cuadros de Picasso elaborados en vidrio.

Fuente: http://www.clarin.com/sociedad/museo-Picasso-anos-olvidado-deposito_0_757124486.html

Jose Manuel Merello, los colores de España

Pintor expresionista nacido en Madrid en 1960, con una larga trayectoria. Su arte es el arte moderno colorista y pasional.

Se define como un pintor de la calle y propaga la humildad en el mundo del arte.

Autodidacta por la Escuela de Bellas Artes de Madrid, realiza estudios de Filosofía Pura en La Universidad Autónoma de Madrid y estudios de Algebra, Geometria lineal y Analisis Matemático en La Universidad de Valencia

La pintura de Merello produce el contacto real con la imaginación, una inusual naturaleza muerta con collages de papel junto con el fondo de color

PREMIOS

Medalla de Honor Premono BMW de Pintura.
Primer Premio de Pintura de la Biblioteca Nacional de Madrid.
Primer Premio de Pintura al Aire Libre Parque del Retiro, Madrid.
Seleccionado en: Premio de Pintura Durán, Madrid.
Seleccionado en: Premio de Pintura Blanco y Negro, Madrid.
Certámenes de Benissa, Javea

Fuente:  http://pintoresmodernos.blogspot.com.ar/2011/05/jose-manuel-merello.html

Yves Klein (1928-1962), mucho más que un salto al vacío y una revolución azul

YVES KLEIN, que falleció a la temprana edad de 34 años,se cuenta entre los artistas más originales y más relevantes del siglo XX y realizó toda su producción artística en el breve lapso de siete años. Fue precursor de muchas de las prácticas y tendencias artísticas que llegaron a generalizarse como el happening y la performance; el Land Art o arte medio-ambiental, el arte corporal y elementos del arte conceptual jalonan su obra, cuya influencia perdura aún hoy. Su intrincada personalidad, que fluctuaba entre la extrema concentración y la total ausencia de límites, se refleja en su trabajo en el que monocromía y figuración, o espiritualidad y teatralidad, no se plantean como antítesis sino que, más bien al contrario, contribuyen a la finalidad suprema de Klein: abarcar la vida a través del arte.
En palabras de los comisarios Oliver Berggruene e Ingrid Pfeiffer “la famosa fotografía del Salto al vacío, en la que el artista aparece flotando sobre la calle, es un símbolo de su deseo de superar la gravedad. Es la expresión de la voluntad de Klein que preside toda su obra de trascender los límites. La exposición pretende poner de manifiesto la inusual variedad y el carácter visionario de este artista que ha entrado en los libros de historia como Yves ‘el monocromo’”.
Klein nació en 1928 en Cagues-sur-Mer, en el seno de una familia vinculada al arte. Fred Klein, su padre, era pintor figurativo y su madre, Marie Raymond, era pintora abstracta vinculada a la tradición de la Escuela de París. Sin embargo, Yves Klein inició su actividad profesional como judoca. La influencia de su intensa vinculación con la filosofía y la práctica de este arte marcial, que le llevó a estudiar durante 15 meses en el prestigioso Instituto Kõdõkan de Tokio, perduró en su concepción del arte. El judo Kõdõkan está profundamente influido por la filosofía Zen y aboga por la comunión entre mente y cuerpo, por la plena armonía con la existencia, por el desarrollo de la perceptividad y la búsqueda de un estado de vacío. Por otra parte, Klein siempre tuvo un gran interés por las enseñanzas místicas cristianas de la doctrina rosacruz. Su fuerte afinidad por lo ritual y cuestiones relativas a la inmaterialidad y el vacío que perduró en él a lo largo de toda su vida expresan su interés por los temas espirituales.
La primera aparición oficial en escena de Klein como artista visual se produjo en 1955, cuando presentó su monocromo Expresión del unvierso de color naranja plomo en el Salon des Réalités Nouvelles. El cuadro fue rechazado por el certamen con el argumento de que un único color no era suficiente para construir una pintura. La pieza, incluida en esta retrospectiva, se presenta junto a una serie de monocromos tempranos en amarillo, blanco, negro, rojo, rosa y verde. Ya desde un principio, Klein usaba un rodillo en lugar de un pincel para eliminar todo indicio de la mano del artista en la aplicación de la pintura. El color adquiere una importancia absoluta como “materialización de la sensibilidad” y a través de él manifiesta su empeño por expandir la pura percepción visual a un concepto de percepción sensorial integral. El artista desafía al espectador a sumergirse en el espacio infinito del color y a experimentar una mayor sensibilidad hacia lo inmaterial.
Klein atribuía un papel especial al color azul que, como el cielo y el mar, encarnaba los aspectos más abstractos de la naturaleza tangible y visual. Buscó largamente un azul que representara sus ideas y un método de aglutinar la pintura para que mantuviera la luminosidad original del pigmento. El resultado fue el IKB —International Klein Blue (Azul Klein Internacional)— un penetrante azul ultramar que creó con ayuda de un amigo químico, y que patentó y convirtió en su marca característica a partir de aquel momento. Las pinturas monocromas, las esculturas y las acciones de Klein, exhibidas en exposiciones en solitario organizadas en Milán, Düsseldorf o Londres, le convirtieron repentinamente en un artista internacionalmente conocido.

Fuente: http://klein50saltos.blogspot.com.ar/2010/01/ives-klein-biografia.html