viernes, 25 de mayo de 2012

Emilio Pettoruti, el argentino más cotizado en subastas por "Concierto"

Jamás Berni o Pettoruti vieron un mango de lo que sus obras movieron”, dijo hace dos años el enigmático pintor Helmut Ditsch en una entrevista en el diario Los Andes en la que exhibió el contrato el contrato de venta de El Mar II por 865 mil dólares, supuestamente la obra más cara de la historia de la pintura argentina.
El martes por la noche, su máxima volvió a cargarse de sentido, cuando Concierto , de Emilio Pettoruti (1892-1971) se remató en la Casa Christie´s de Nueva York durante la subasta de arte latinoamericano y se convirtió de buenas a primeras en el cuadro argentino más caro que se haya vendido en una subasta.
El lote 7 de la venta 2563 se vendió en 794.500 dólares y superó ampliamente las expectativas de la casa de subastas, que había cotizado el valor de la obra entre 300 y 500 mil dólares Concierto es un óleo sobre tela, de 116,2 x 89,2 centímetros y tiene una reconocible inspiración cubista, con la que el pintor nunca terminó de romper. En el centro de la escena se reconocen una botella (presumiblemente de champagne), una frutera y unas partituras que completan la obra y le dan sentido al título. En la base del cuadro y también en el centro se lee la firma del autor y el año del cuadro “Pettoruti–1941”. En el reverso aparecen el título de la obra, y, otra vez el nombre del autor y la fecha (CONCIERTO, Pettoruti- 1941).
No fue el único argentino de la subasta, también se vendieron obras de Xul Solar, Jorge de la Vega, Julio Le Parc, Antonio Seguí, Raúl Lozza, Rómulo Maccio, Liliana Porter, Florencio Molina Campos y hasta un Antonio Berni.
La venta superó el récord anterior que también ostentaba Pettoruti, cuando en 2008 se vendió en la misma casa de subastas su obra Cantor por 782.500 dólares. Aquella vez, el cuadro del artista platense ilustraba el catálogo del remate. Esta vez, ese privilegio lo ostentaba el brasileño Candido Portinari con su obra Navio negreiro , vendido en US$ 1.142.500. Ni entonces ni ahora las ventas de Pettoruti alcanzaron la cifra de Desocupados , de Antonio Berni, que en 1995 se vendió de forma privada en 800 mil dólares y, que hasta la irrupción de Ditsch era el más caro de los argentinos.
El cuadro pertenece a la época más madura de Pettoruti, en la que aparecieron algunos objetos icónicos de su obra: los arlequines, los músicos y los bodegones. Atrás había quedado el tiempo de su experimentación formal y cubista, explica el catálogo. “Igual que la monumental Intimidad (1941) y Sol argentino (1941), Concierto describe el brillo duro de la luz reflejada todavía en la mesa”, agrega. Y tal como refleja el crítico Edward Sullivan en el libro de la subasta, el brillo de la luz sirve no sólo para iluminar, sino que se convierte en un elemento concreto de la imagen y mejora la calidez de la escena. “En Concierto , la luz cristalizada arroja sombras en la geometría y el conjunto típico de los objetos”, advierte Sullivan en el catálogo.
La obra sólo se exhibió tres veces: en el Museo de San Francisco, en 1942; en el Salón Peuser, de Buenos Aires, en 1948; y en la Asociación Gente de Arte, de Avellaneda, un año después.
La subasta de arte latinoamericano alcanzó ventas por un total de 27.731.875 dólares y Pettoruti, un nuevo récord. Tuvo muchos reconocimientos en vida, pero nunca tantos billetes.

lunes, 21 de mayo de 2012

Último día de ARTEBA 2012

Las puertas de arteBA 2012 abrieron el viernes 18 de mayo al público en Buenos Aires para mostrar la 21era edición de esta feria de galerías de arte contemporáneo, que este año impulsa una mayor internacionalización y la presencia de artistas jóvenes.
ArteBA se posicionó como la principal feria de galerías de la capital argentina, que en los últimos años tuvo asistencias récord de 120.000 personas en sus cinco días de exposición el año anterior.
Este año, la muestra albergará hasta el 22 de mayo a 81 galerías de arte en 18.000 metros cuadrados en el centro de exposiciones de La Rural, en el barrio porteño de Palermo.
"Mantenemos firme el apoyo al arte joven con premios a la experimentación y tenemos un programa de acciones innovador. Hoy focalizamos en la internacionalización, sin perder de vista que nuestro rol ha sido, y es, acompañar, aglutinar y aprender de todos los agentes que conforman el sistema del arte", afirmó Facundo Gómez Minujin, presidente de la fundación que organiza arteBA.
La muestra dedica este año un espacio importante al arte internacional, con el "U-Turn Project Rooms".
"Con la curaduría de la iraní-norteamericana Abaseh Mirvali, exhibirá obras de 24 artistas de 14 países representados en 12 galerías. Un gran esfuerzo que acerca a Buenos Aires la producción de artistas que viven y trabajan en México, Alemania, Colombia, España, Brasil y Dinamarca, con rigor en la selección y categoría expositiva", precisó Gómez Minujin en una reciente entrevista con el diario "La Nación".
También se abrirán el espacio Solo Show de Pintura Latinoamericana y el Barrio Joven Chandon, un semillero de artistas emergentes.
La feria contará, como es habitual ya, con importantes galardones para categorizar su exhibición, entre ellos el Premio Petrobras de Artes Visuales, el concurso Arcos Dorados de Pintura Latinoamericana y el Open Forum 2012, un ciclo cultural que reúne a todos los protagonistas del ámbito cultural.
Se presentarán además libros, se realizarán charlas especializadas, habrá performances en vivo y se abrirá el ciclo "Art conversations" con importantes artistas.
Fuente: http://www.infonews.com/2012/05/17/mujeres-22071-comienza-arteba-2012.php

martes, 15 de mayo de 2012

Mujeres bonitas africanas, por Augustin Kassi.

Una exhibición que celebra las amplias figuras de algunas mujeres africanas se inauguró en Abiyán, la capital de Costa de Marfil. "Quería luchar por esas mujeres que en su día fueron rechazadas y hasta hechas prisioneras de la idea de que no eran bonitas", dijo el pintor local Augustin Kassi.

sábado, 5 de mayo de 2012

"El Grito" de Munch en casi 120 millones de dólares

Una versión de "El grito" del pintor noruego Edvard Munch fue subastada en 119,9 millones de dólares en la casa Sotheby's de Nueva York.
La venta sólo duró 12 minutos, creciendo su precio por momentos más de 10 millones de dólares en un minuto antes de culminar con un estruendo de aplausos en una sala colmada, al tiempo que el subastador Tobias Meyer anunciaba "un récord mundial".
Siete compradores se disputaron esta obra clave, inicialmente valorada en 80 millones de dólares. La obra, realizada en 1895 que representa a un hombre agarrándose la cabeza, y sobre un trasfondo de cielo rojizo, era la única de las cuatro versiones de "El grito" aún en manos de un particular.
Entre 1893 y 1910, el pintor expresionista (1863-1944) realizó cuatro versiones de la obra que se convirtió, con el paso del tiempo, en símbolo de la angustia universal.
La versión que remató Sotheby's la noche del miércoles llevaba 70 años en manos de la misma familia, la del empresario noruego Petter Olsen, cuyo padre Thomas había sido vecino, amigo y luego el protector de Munch.
La tela subastada presentaba la particularidad de #|119|#, en el marco de color claro, el poema que inspiró la obra, que se encuentra entre las más conocidas del mundo.
Las otras versiones de "El grito" pertenecen una a la galería nacional de Oslo y dos al Museo Munch en Oslo. "El grito", destacó Sotheby's, es una de las obras "más reconocibles de inmediato, en la historia del arte y de la cultura popular, tal vez la segunda después de la Mona Lisa".
El cuadro, que fue objeto de muchos libros, películas y estudios, pasó a decorar con el correr de los años, calendarios, tazas, camisetas y otros objetos de la vida cotidiana.
Es "una de las pocas imágenes que trascienden el arte y la historia para alcanzar la conciencia internacional", había subrayado Simon Shaw, encargado del departamento de impresionismo y arte moderno de Sotheby's en Nueva York antes de la venta.
Hasta entonces sólo ocho obras habían superado los 80 millones de dólares en una subasta. El récord mundial era ostentado hasta ahora por un Picasso, "Desnudo, hojas verdes y busto", vendido por 106,4 millones de dólares en mayo de 2010 por Christie's, que era seguido por el bronce de Giacometti "El hombre que camina" (104,3 millones de dólares por Sotheby's en febrero de 2010) y otro Picasso "Muchacho con pipa" (104,1 millones de dólares en mayo de 2004).
En su diario, el 22 de enero de 1892, Munch había explicado de esta manera su inspiración para "El grito": "Me paseaba por un sendero con dos amigos. El sol se ponía. De repente, el cielo se volvió rojo sangre. Me detuve, agotado, me apoyé contra un alambrado, había sangre y lenguas de fuego encima del fiordo negro-azul y de la ciudad. Mis amigos siguieron, y me quedé ahí, temblando de miedo. Sentí un grito infinito que pasaba a través del universo".
Su propietario, Petter Olsen, declaró antes de la venta: "Viví con esta obra toda mi vida, y su poder y su energía no hicieron más que aumentar con el tiempo". Con los ingresos de la venta, Olsen tiene previsto construir un nuevo museo dedicado al artista en Noruega.
Nacido en diciembre de 1863, Munch, cuyo trabajo había sido tildado de "degenerado" por los nazis que retiraron sus obras de los museos alemanes, murió el 23 de enero de 1944.

jueves, 26 de abril de 2012

Motos, educación y arte

El 26 de abril, la Fundación Pro Moto organizará un cockatil en la galería Angel Guido Art Project, en Suipacha 1217 de la Ciudad de Buenos Aires, para exhibir los 24 cascos intervenidos por reconocidos artistas plásticos en el marco del evento más emblemático del arte porteño, el "Gallery Nights".
Bajo la consigna “El arte es nuestro vehículo: queremos llegar a tu cabeza”, la fundación lanzó el primer Circuito de Cascos intervenidos, muestra itinerante que apunta a promover el uso seguro de la moto mediante la exhibición y posterior remate de 25 cascos convertidos en verdaderas obras de arte.
Con el objetivo es generar conciencia y así reducir las más de 1800 muertes por año que involucran a motocicletas en la Argentina, Pro Moto organizó este circuito que inició su recorrido en el "Gallery Nights" de Punta del Este, en Le Touquet Argentino, en la última edición del BAFWEEK y, próximamente, en el Centro Cultural Recoleta.
“Basados en estadísticas de la Organización Mundial de la Salud, actuamos con el convencimiento de que solamente con el uso del casco abrochado se puede evitar el 80% de las muertes y siniestros graves”, asegura Ricardo Ribatto Crespo, presidente de la Fundación.
Como respuesta a estas cifras y buscando amplificar el mensaje de seguridad vial, durante 2011 la Fundación convocó a 24 artistas de la talla de Milo Lockett, Eduardo Pla y Fabiana Barreda, quienes desplegaron su talento e hicieron su valioso aporte a la causa dando vida a esta acción que enlaza el arte con lo social y lo educativo.
La Fundación Pro Moto es una ONG que promueve el uso seguro de la moto a través de campañas de educación y concientización. Nació en 2007 y desde entonces desarrolla a nivel nacional diferentes actividades que fomentan la seguridad activa (evitar accidentes) y la seguridad pasiva (disminuir las consecuencias de los siniestros).
info@fundacionpromoto.org.ar | www.fundacionpromoto.org.ar
Acerca del circuito de cascos intervenidos. “Educando a través del arte. Circuito de cascos intervenidos” es una muestra itinerante en la que intervienen 24 artistas -de trayectoria y emergentes- y que apunta principalmente a generar conciencia sobre la importancia del uso correcto del casco mediante la exhibición, y posterior remate, de estas obras de arte.
El Circuito inauguró su recorrido el jueves 29 de diciembre en la nueva casa de BMW Sommerhaus.12, donde permaneció durante todo el mes de enero. La firma de indumentaria Kosiuko-Herencia Argentina también se sumó desinteresadamente a la causa de la Fundación en su local de La Barra con la exposición de algunas obras. Por último, el circuito fue parte del "Gallery Nights" de Punta del Este con cascos exhibidos en el atelier de Adrián Martínez Bojko y se exhibió del 28 de febrero al 2 de marzo en el BAFWEEK 2012.
A partir de abril la muestra recorrerá aeropuertos, galerías y museos de Buenos Aires y el resto de la Argentina, y para el cierre se realizará un importante remate en el Artespacio San Isidro.

miércoles, 18 de abril de 2012

Ikenaga Yasunari y el "Nihonga"

Ikenaga Yasunari es un artista japonés cada vez más conocido en Occidente. Su espaldarazo a la fama fue la última Art Fair Tokyo de 2011 (abril), en que se vendió toda su obra expuesta el primer día. Sus cuadros representan a hermosas mujeres, cuyas expresiones y posturas sugieren una atmósfera de nostalgia. Son siempre mujeres japonesas modernas, pero tratadas con un estilo de pintura que refleja las antiguas tradiciones japonesas o "Nihonga", lo que da a sus obras una sensación atemporal
Datos biográficos.
Poco sabemos de Ikenaga Yasunari: que nació en 1965 en la prefectura de Oita y que se graduó en la High School Midorigaoka Universit en 1984. Sus primeras exposiciones son de 2004.
Materiales y técnica.
Las pinturas, ligeramente polícromas, están hechas con pigmentos que obtiene a partir de minerales, conchas, corales e incluso piedras semipreciosas como la malaquita, la azurita y el cinabrio. El aglutinante es la cola de pez. Para darle más sensación de lujo incluye a veces finas láminas de plata y oro. La pintura se extiende con agua y con pinceles especiales Menso, muy pelo muy fino, lo que permite la calidad de detalle.
Pese a que su pintura se puede definir como tradicional o "Nihonga", Yasunari introduce algunos elementos extraños a la cultura Japonesa, que proceden de la pintura occidental. El soporte es el primer elemento rupturista de este pintor al utilizar lienzos de tela de lino, en vez del tradicional washi (papel artesanal japonés) o la seda. También utiliza la técnica del sombreado en algunas partes de los rostros, como labios u ojos, lo que les confiere mayor volumen y expresividad, pero ésto precisamente le aparta del "Nihonga" de planos de color uniformes. Los motivos vegetales que visten o con las que se rodean sus mujeres recuerdan a los diseños de Arts & Crafts y del modernismo, evidentemente influidos éstos a su vez por la moda y la estampa japonesa del siglo XIX.
Estilo. La belleza de lo efímero.
Yasunari combina el estilo artístico de las antiguas pinturas japonesas con los temas modernos.
Los principios estéticos del arte japonés están presentes en sus obras, como:
  • - Kokoro o una especial sensibilidad entre la sensación y el pensamiento racional.
  • - Miyabi o estética de líneas elegantes.
  • - Mono no aware o empatía hacia las cosas efímeras. Es decir, nostalgia ante la belleza de las cosas que tan pronto las ves desplegadas, como un abanico, como se pierden.
  • - Yugen o atmósfera de misterio y profundidad, algo que está suspendido entre la presencia y la ausencia. Es más una sugerencia, que un perfil acabado. Es aquello que sólo puede ser sugerido, pero no definido, es una gracia refinada y subyacente.
  • - Wabi o convencimiento de que la belleza debe nacer de la simplicidad extrema, que los rostros, por ejemplo, sean serenos en busca del recogimiento interno y no reflejen gestos o sentimientos grandilocuentes.
  • - Sabi o estética de la presencia del paso del tiempo en los objetos. Esa pátina de color sepia que tienen los cuadros que hace que pensemos que estamos ante fotografías antiguas
  • - Fukinsei o búsqueda de la asimetría en las composiciones.
  • A ello hay que añadir el toque de sensualidad y la atmósfera de ensueño que siempre tienen sus mujeres. Sus expresiones y posturas naturales atraen necesariamente al espectador. Y tan atractivos como sus rostros son las ropas que visten con motivos florales o rayas.
    En su página web podéis seguir viendo su obra, en la que cada cuadro se acompaña de un poema sugerente o haiku.

    sábado, 7 de abril de 2012

    Damien Hirst llega a la Tate Modern de Londres

    Controvertido y cada vez menos rebelde, Damien Hirst se consagró hoy a sus 46 años como uno de los artistas más influyentes del Reino Unido con su primera gran retrospectiva en la Tate Modern de Londres, templo del arte contemporáneo.
    El antiguo "enfant terrible" de la escena artística londinense, que en los años noventa escandalizó con sus animales muertos metidos en formol, ha dejado atrás su viejo escepticismo para entregarse de lleno a la jerarquía del mundo del arte, donde ahora es poco menos que el rey.
    Con veinticinco años de carrera a sus espaldas, Hirst ha accedido por fin a mostrar su trabajo en la Tate, museo que en sus inicios despreció porque era "donde exponían los muertos" y que ahora acogerá su obra del 4 de abril al 9 de septiembre.
    "Creo que lo había estado evitando porque de alguna manera me intimidaba" , confesó hoy el artista en una breve aparición para presentar la exposición a la prensa.
    "Todos crecemos y maduramos, y él es ahora un artista de mediana edad que se ríe de los comentarios que hizo en su juventud" , apuntó en declaraciones Ann Gallagher, comisaria de la muestra.
    "Damien Hirst" recorre la trayectoria del creador desde su época de estudiante a finales de los años ochenta hasta la actualidad, en que se ha convertido en el artista británico vivo más cotizado y favorito de coleccionistas millonarios.
    Hirst amasó una fortuna cuando en 2008 subastó en la casa Sotheby's por cuenta propia, puenteando así a las galerías de arte, varias obras que recaudaron 70.5 millones de libras (127 millones de dólares o 89 millones de euros) , de ellas la más cara "The Golden Calf" , adjudicada por el récord de 10.3 millones de libras (18.6 millones de dólares o 13 millones de euros).
    Aunque en esta exposición no está ese becerro de oro, sí se cuentan algunos de sus trabajos más emblemáticos, incluido, en una sala especial, el cráneo incrustado de diamantes titulado "For the Love of God" .
    También se puede ver por primera vez desde su concepción en 1991 "In and Out of Love" , un "invernadero" donde vuelan las mariposas y que linda con otra sala en la que se exponen cuadros hechos con estos insectos muertos.
    Una de las obras más impactantes es "A Thousand Years" , de 1990: una vitrina con una sanguinolenta cabeza de ternera rodeada de moscas que pretende simbolizar el ciclo de la vida.
    "La fragilidad de la vida y su relación con la muerte son temas constantes en Hirst, que además es muy consistente con sus motivos, que suelen ser mariposas, cigarrillos o las medicinas" , explica la comisaria.
    La exposición de la Tate, muy accesible y que sin duda será un éxito de público, incluye los lienzos con lunares de colores que se han convertido en la marca de Hirst en todo el mundo, junto con los animales metidos en líquido, como vacas, tiburones, peces u ovejas.
    Está su cenicero gigante lleno de colillas (Crematorium, 1996) , otro recordatorio de la inevitabilidad de la muerte, y, en la misma línea, su exploración del cuerpo humano y sus dolencias a través de vitrinas con cientos de medicamentos.
    Audaz y creativo, su obra, que en su día conmocionó a la crítica, refleja las preocupaciones de la llamada generación de Jóvenes artistas británicos, a la que pertenece también la ya no tan joven Tracy Emin.
    "Sin duda, Hirst es uno de los artistas más prominentes de esa generación y su trabajo resume la época que les tocó vivir como estudiantes, cuando Londres era muy diferente y no podían soñar con exponer en las grandes galerías" , afirma Gallagher.
    Ese rechazo por lo nuevo de la jerarquía artística de entonces llevó a Damien Hirst a organizar Freeze, una exposición alternativa donde él y sus colegas del Goldsmith College mostraron sus obras, muchas de las cuales fueron posteriormente adquiridas por el coleccionista Charles Saatchi.
    Pese a alcanzar la fama y el reconocimiento, aún hay bastantes críticos en el Reino Unido que cuestionan el arte de este inglés nacido en Bristol, cuyo flirteo con la pintura en 2009 recabó catastróficas críticas.
    ¿Es o no arte lo que hace Damien Hirst?, es la pregunta recurrente. "Esta exposición ofrece la oportunidad de ver toda su obra junta y formarse una opinión, dejando de lado prejuicios" , responde Gallagher.