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jueves, 29 de diciembre de 2016

Patrón fractal, Dalí y el parkinson en sus cuadros

Resultado de imagen para Dali parkinson
Cada pintor tiene su especial forma de pintar, de aplicar el pincel sobre el lienzo, una especie de huella que identifica sus cuadros. Un estudio con miles de obras de varios pintores contemporáneos muestra ahora que los cambios en este patrón podría servir para detectar la aparición de enfermedades neurodegenerativas años antes de que se produzca el diagnóstico médico.
A finales del siglo pasado, la revista Nature publicaba un estudio que demostraba la naturaleza fractal de la obra de Jackson Pollock. Por debajo del aparente caos de cada uno de sus cuadros había una estructura de geometría irregular que se repetía a diferentes escalas. Pocos años después, el análisis fractal se usaba por primera vez para determinar la autenticidad de varias obras atribuidas al pintor estadounidense. ¿Por qué no usar los fractales también para detectar cambios en la forma de pintar provocados por la enfermedad?
Es lo que han hecho un grupo de investigadores británicos. Han aplicado el análisis fractal a 2.092 cuadros de siete grandes pintores de arte contemporáneo, desde Claude Monet, padre del impresionismo, hasta Picasso, pasando por Willem De Kooning o el surrealista Salvador Dalí. Aunque no se trate de fractales tan evidentes como el de un helecho o el brécol romanesco, sus obras esconden patrones fractales.
"En el arte, cada pincelada individual se auto replica por todo el cuadro creando la forma, el espacio y el patrón", dice la psicóloga de la Universidad de Liverpool y coautora de este estudio, Alex Forsythe. "Como si fuera la letra del artista, pero una letra que también requiere movimientos fractales de los dedos, las manos, los brazos y, en ocasiones, de todo el cuerpo. Hemos visto que el ritmo de estos patrones fractales queda atrapado para la eternidad en los cuadros, casi como una huella genética", añade.
Estos patrones son, dice Forsythe, permanentes y van allí donde el estilo del pintor le lleve: "Picasso, por ejemplo, fue un gran experimentador y cambiaba con frecuencia su estilo artístico, pero la dimensión fractal de sus trabajos permaneció estable a lo largo de toda su vida". La estabilidad fractal que detectaron en Picasso, también la han comprobado en Chagall y en Monet. Los tres murieron de viejos, pintando hasta sus últimas días y con sus habilidades cognitivas intactas.
Sin embargo, los otros cuatro pintores que estudiaron sí presentan cambios en la dimensión fractal de su obra (ver gráfico), cambios que para los autores de esta investigación, publicada en Neuropsychology, estarían relacionados con las enfermedades que asolaron su vejez, el párkinson (en el caso de Dalí y el indio canadiense Norval Morrisseau) o el alzhéimer (De Kooning y el pintor abstracto James Brooks).
"Hemos encontrado grandes cantidades de contenido fractal en los primeros trabajos de artistas que acabaron teniendo problemas neurológicos", comenta la psicóloga británica, que vuelve a poner el ejemplo de Dalí: "Se pueden ver áreas de evidente contenido fractal en muchos de los primeros trabajos de Dalí, donde el artista usaba sus pinceladas para crear el agua, el cielo y las montañas, pero también en la curvatura de los relojes blandos [La persistencia de la memoria, pintado en 1931]. Si ampliamos la imagen, podemos ver el contenido fractal en la naturaleza repetitiva de las pinceladas".
Los autores del estudio plantean que Dalí trabajó dentro de lo que ellos llaman rango normal de su dimensión fractal hasta pasados los 50 años, cuando algo empezó a cambiar. "Los trabajos posteriores, como Retrato de mi hermano muerto, que pintó más de 30 años después [que el cuadro de los relojes], tienen zonas con repetición de patrones pero la mayor parte de su contenido ya no es fractal. Por ejemplo, áreas de puntos circulares que no son fractales, sino que siguen principios geométricos", explica Forsythe. El canadiense Norval Morrisseau presenta el mismo patrón.
"Sospecho que en la fase final de la enfermedad de Parkinson, el artista tendría dificultades para controlar el pincel y tener la delicadeza necesaria para crear contenido fractal. Pero estos cambios se pueden apreciar ya a mediados de la carrera de ambos artistas, posiblemente antes de que percibieran cualquier deterioro neurológico", asegura la investigadora británica.
En el caso del alzhéimer, los patrones de Brooks y De Kooning son similares entre sí pero diferentes de los demás. De Kooning, famoso por su grotesca serie de cuadros de mujeres, siguió pintando después de que le diagnosticaran el mal de Alzheimer, pero el contenido fractal de sus obras se redujo drásticamente desde mediana edad. Sin embargo, en los tres pintores que murieron con su mente inalterada, no aparece ninguno de estos patrones. De hecho, la dimensión fractal se enriquece a medida que envejecen.
"Esta investigación es interesante por su intento de usar un método cuantitativo, objetivo, como los fractales", opina el neurólogo del Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT), Álvaro Sánchez. "También tiene todo el sentido la relación entre cambios en la obra y el avance de la enfermedad, pero la muestra es muy pequeña", añade.
Otro problema es el posible sesgo que pueda producirse en el hecho de que los cuatro pintores enfermos ya habían sido diagnosticados antes de estudiar la dimensión fractal de sus obras. Lo ideal habría sido al revés, usar los cuadros para diagnosticar la aparición de la enfermedad. En eso trabaja Sánchez, en la detección precoz del párkinson usando la forma de teclear como estos psicólogos han usado la forma de pintar.
Fuente: http://elpais.com/elpais/2016/12/29/ciencia/1482994309_233792.html

jueves, 18 de octubre de 2012

Roban obras de Monet. Matisse, Gauguin, Freud, y Picasso de un museo de Róterdam, Holanda

Tete d’Arlequin. Picasso
Varios cuadros de pintores como Pablo Picasso , Henri Matisse, Claude Monet y otros famosos artistas modernos han sido robados de un museo de Róterdam, informó el martes la Policía holandesa.
La lista de los siete cuadros robados durante la noche del museo Kunsthal de Rotterdam la completan obras de Paul Gauguin , Lucian Freud y Meyer de Haan, según dijo la Policía en su página web.
Ni la Policía ni el Kunsthal han podido calcular por el momento el valor del botín, pero el robo es uno de los más importantes del mundo del arte en los últimos años y podría tener un valor millonario.
La lista de los cuadros aportada por la Policía en su página web es la siguiente:
1. Pablo Picasso: “Tete d’Arlequin” (Cabeza de Arlequín)
2. Henri Matisse: “La Liseuse en Blanc et Jaune”
3. Claude Monet:“Waterloo Bridge, London”
4. Claude Monet:“Charing Cross Bridge, London”
5. Paul Gauguin:“Femme devant une fenªtre ouverte, dite la Fiancée”
6. Meyer de Haan: “Autoportrait” (circa 1889 – ’91)
7. Lucian Freud:“Woman with Eyes Closed” (2002)
El Kunsthal, diseñado por el arquitecto holandés Rem Koolhaas, no posee una colección propia y exhibe diferentes tipos de arte, incluyendo fotografía, escultura, diseño y moda.
Había abierto la nueva exposición hace tan sólo unos días para celebrar su vigésimo aniversario y en ella se exhibían obras de Picasso, Marcel Duchamp, Piet Mondriaan, Monet, Vincent van Gogh, Freud y obras de otros autores, ejemplos de impresionismo, expresionismo y otros movimientos artísticos modernos.
Más de 150 cuadros que formaban parte de la exposición provenían de la colección privada de la Triton Foundation y muchas de las obras tenía un valor de más de un millón de euros, según declaró Wim van Krimpen, antiguo ejecutivo del Kunsthalm en la emisora de radio pública holandesa Radio 1.

sábado, 18 de agosto de 2012

Un museo tuvo un Picasso 50 años olvidado en el depósito. Trabajo en vidrio. "Mujer sentada con sombrero rojo"

Es una de las pocas obras que el pintor español hizo en vidrio. Pero al registrarla, en Indiana, pensaron que era de otro artista.
Una obra del pintor español Pablo Picasso pasó olvidada casi medio siglo en el depósito de un museo de Estados Unidos. El Museo de Evansville en Indiana explicó ayer que la obra conocida como "Mujer sentada con sombrero rojo", elaborada en vidrio, había pasado desapercibida en sus fondos artísticos debido a un error de catalogación.
Según el museo, al registrar la obra se confundió el nombre de la técnica de elaboración artística, "Gemmaux", con el nombre del pintor. Al realizar un estudio sobre las obras de Picasso elaboradas en vidrio, una casa de subastas de Nueva York realizó una consulta al museo, y fue así como se detectó el error.
La obra, datada entre 1954 y 1956, muestra a la durante años pareja de Picasso, Marie-Thérèse Walter, y el museo la recibió en 1963 como donación de un diseñador industrial. Y saldrá a la venta a través de una casa de subastas en Nueva York porque el museo admitió en un comunicado. que no puede solventar los gastos para garantizar la seguridad de la obra, potencialmente muy valiosa". Se estima que en todo el mundo hay sólo unos 50 cuadros de Picasso elaborados en vidrio.

viernes, 9 de septiembre de 2011

Un enigma cinematográfico tras el 'Guernica' de Picasso

Una investigación del director de fotografía José Luis Alcaine fija en 'Adiós a las armas', de Frank Borzage, la inspiración de la composición del cuadro
Pablo Picasso no pasaba por su mejor momento cuando pintó en mayo de 1937 el Guernica. La Guerra Civil destruía España y la II Guerra Mundial estaba a las puertas de asolar Europa. La insistencia del Gobierno de Negrín le empujó a aceptar el encargo para el Pabellón Español de la Exposición Internacional de París. "Si tenemos a Picasso en cuerpo y alma, el impacto será mayor que una batalla ganada en el frente a los fascistas", le atribuyen al último presidente de la República. No se equivocó, el impacto del lienzo de 349,3 por 776,6 centímetros fue enorme. Aún hoy, cuando se cumplen tres décadas de su llegada a España el 10 de septiembre de 1981, sigue incrustado en la retina de nuestro tiempo.

Pero el Guernica y su simbología, sobre la que el pintor jamás quiso pronunciarse, siguen despertando preguntas, elucubraciones e investigaciones. La última, la del director de fotografía español José Luis Alcaine, que el próximo 4 de octubre recibirá la Medalla de Oro de la Academia de Cine precisamente en el Museo Reina Sofía de Madrid, donde el cuadro se expone desde 1992.
Alcaine, un maestro de la luz que ha trabajado en películas como La piel que habito, de Pedro Almodóvar, o El sur, de Víctor Erice, cree que la principal inspiración de Picasso fue, precisamente, el cine. En concreto, una secuencia de poco más de cinco minutos de la película Adiós a las armas, de Frank Borzage, drama antibelicista inspirado en la novela de Ernest Hemingway que se estrenó en París en 1933 y que, fotograma a fotograma, guarda sorprendente paralelismo con los personajes principales del cuadro. Ni Los fusilamientos del 3 de mayo de Goya ni La matanza de los Santos Inocentes de Rubens. Alcaine se lanza a una fuente de inspiración tan popular como el mismo Hollywood en un gesto que, teniendo en cuenta la capacidad de amplificación de todo lo que rodea al Guernica, promete abrir un debate en el arte.
En un extenso artículo publicado en la revista especializada Cameraman, Alcaine revela los detalles de un estudio en el que trabaja desde hace meses. La secuencia, en blanco y negro, narra el éxodo nocturno de militares y civiles por una carretera que bombardean unos aviones. "Yo había visto Adiós a las armas a finales de los años sesenta, en el cineclub de TV2. Pero fue años después, cuando volví a verla en vídeo en mi casa y salté ante la secuencia de la carretera: ¡era el Guernica!", explica. A primera vista, tres son las imágenes que nos llevan al cuadro: la mano blanca de dedos gruesos moribunda en el barro, los caballos desbocados y la mujer clamando al cielo.
"Empecé a darle vueltas entonces, era el año 2006. En 2007 rodé cinco películas y aparqué la idea. No tenía tiempo para nada. Pero desde entonces solo he trabajado en La piel que habito. Así, pude encontrar el momento para sacar la secuencia fotograma a fotograma y estudiarla". A la mano blanca y la mujer clamando al cielo se sumaba el marco vacío de una puerta, un carrito lleno de ocas blancas, las patas de los caballos, una madre agarrada a su hijo como una piedad, un hombre tendido en el barro con el brazo extendido y las llamas, arrinconadas a la izquierda de un fotograma de aire infernal.
Ya se había apuntado la influencia de El acorazado Potemkin (1925) en el cubismo de Picasso, pero no la de una película que en Europa fue mal recibida porque su protagonista, Gary Cooper, desertaba por amor y no por honor. En la novela, Hemingway dedica 80 páginas a la huida del personaje por carretera, y su deserción final no era por los brazos de una mujer sino por los horrores de la guerra. El escritor detestaba la película. "La secuencia de la carretera es extraña: tiene mucha influencia del cine soviético, con encadenados por todas partes. Es una película de Hollywood con un momento expresionista que nada tiene que ver con el resto del metraje".
Una visión fragmentada y violenta que acerca a esa especie de collage de personajes que es el Guernica. "Un collage que tiene mucho de montaje cinematográfico, de planos y primeros planos", apunta Alcaine.
En 1937, cuando Picasso pintó el mural, Adiós a las armas aún estaba en cartel. "El sistema de distribución de entonces hacía que las películas estuvieran hasta seis años en sala. Evidentemente, Picasso la había visto, no solo por su amistad con Hemingway -les presentó Gertrude Stein- sino porque entonces se iba muchísimo al cine, era el gran entretenimiento y también la manera de documentarse ante la realidad. Además, la película fue muy polémica en su día por el final feliz. No se la pudo perder".
Alcaine subraya que la secuencia ocurre por la noche, como el cuadro, mientras que el bombardeo de Guernica fue a pleno día. "Pero, además, el cuadro tiene un claro movimiento de derecha a izquierda, igual que los personajes de la película, siempre en el eje de derecha a izquierda". Esa carretera infernal que reproduce la película desprende el mismo infierno y el mismo movimiento. "Pero cuidado", puntualiza, "es en los personajes estáticos donde se ve la coincidencia. Es cuando se para la acción cuando reconocemos a los integrantes del cuadro".
Otro dato sorprendente es que los animales que aparecen en la secuencia de la carretera sean caballos y ocas. Ambos, presentes en el mural. Para el toro, el director de fotografía tiene su propia interpretación: "Esa figura me hizo saltar una noche de la cama y correr al ordenador, era el último cabo suelto de mi teoría. ¿A quién mira el toro? Nos mira a nosotros. Me desvelé. Puse a su lado Las Meninas y vi la misma mirada de Velázquez. El toro, como han apuntado algunos, jamás podría ser Franco. El toro es un animal noble y el propio Picasso ya se había representado alguna vez a sí mismo como ese animal. Él se pone en el mismo plano que Velázquez en Las Meninas, un cuadro, que como nos ocurre a todos los que estamos obsesionados con las imágenes, también le obsesionaba". Alcaine se ríe entonces al escuchar su entusiasmo y resume su descubrimiento con un dicho italiano: "Se non è vero, è ben trovato". Si no es cierto, está bien visto.
Fuente: http://www.elpais.com/articulo/cultura/enigma/cinematografico/Guernica/Picasso/elpepicul/20110909elpepicul_1/Tes

martes, 3 de mayo de 2011

Picasso encontró en la rubia Marie Thérèse Walter la musa de sus sueños

Cuando Picasso conoció a la rubia musa de sus sueños ella tenía poco más de quince años y él 46. Hay quienes sostienen que se cruzaron por primera vez en la estación Saint Nazare, otros en la puerta de Galerie Lafayette. Lo cierto es que la joven cambió radicalmente su pintura. Animado por la pasión el genio volvió a comenzar de nuevo como si fuera otro pintor.
El resultado es una serie de retratos bendecida por el alto coleccionismo cada vez que los cuadros salieron al ruedo de las ventas. El sueño y El espejo marcaron el ingreso del malagueño en pinacotecas que hicieron historia. Le toca el turno ahora a La lectura que será rematado el martes próximo con un estimado de 18 millones de libras esterlinas, después de una gira europea con escala en las grandes capitales como es tradición cuando una obra "calidad museo" es ofrecida en pública subasta.
Considerado de manera unánime el pintor más grande de todos los tiempos, el más fecundo e innovador, Picasso integra el ranking de los récords con dos cuadros que ilustran su capacidad, casi feroz, para saltar de un estilo a otro dispuesto a correr todos los riesgos abandonando la seguridad del éxito conocido.
El mismo artista pintó el Desnudo con hojas (el cuadro más caro del mundo) y Muchacho con pipa, un retrato del período rosa que exhibe la serenidad de la belleza en estado puro.
Marie Thérèse Walter y Picasso tuvieron una hija llamada Maya que inspiró varios de los más tiernos retratos del malagueño.
Fuente: http://www.lanacion.com.ar/1346163-picasso-encontro-en-la-rubia-marie-therse-walter-la-musa-de-sus-suenos

lunes, 7 de marzo de 2011

Todos tienen derecho a ver a Picasso


La Tate Modern de Londres expone 'Desnudo, hojas verdes y busto', el cuadro más caro de la hstoria, que no se veía en público desde 1961.
Es el cuadro más caro el mundo y no se veía expuesto desde 1961. Desnudo, hojas verdes y busto (1932), del pintor español Pablo Picasso, fue vendido en una subasta el pasado mes de mayo en la galería Christie's de Nueva York por 81 millones de euros. Desde la semana pasada se expone en la Tate Modern de Londres.
La obra, un retrato de una de sus amantes -la joven Marie-Thérèse Walter- sobre un lienzo grande (160x130 centímetros), ha sido prestada por su dueño anónimo y se podrá ver en la nueva sala dedicada al pintor en la sección Poesía y Sueños de la galería británica. En el cuadro Picasso se representó a sí mismo, de perfil, como si fuera un busto que observa a su amada desde un pedestal.
"Se trata de un cuadro destacado de Picasso y estoy encantado de que, gracias a la generosidad del prestamista, podamos exponerlo ante el público británico", ha indicado el director de la Tate, Nicholas Serota, a los medios británicos, informa Efe desde Londres.
Antes de ser vendida en mayo de 2010, la obra estuvo durante casi diez décadas en la colección privada de Sidney y Frances Brody, de Los Angeles (EE UU). Obtuvieron el cuadro en 1951 de la colección Paul Rosenberg , que le compró la obra en 1936 a Picasso. Solo había sido expuesta una vez, en 1961, para conmemorar el 80 cumpleaños del artista.
Fuente: http://www.elpais.com/articulo/cultura/picasso/record/fin/alcance/todos/elpepucul/20110307elpepucul_2/Tes