Alvaro Barrios

Artista de gran versatilidad, ha trabajado composiciones surrealistas, conceptuales y pop en sus cuadros. Como dibujante notable ha involucrado elementos del comic en su obra. Según sus palabras “todo el arte contemporáneo ha dejado improntas en su universo pictórico”.
Entre sus más notables exposiciones señalamos: Galería Marta Traba, Bogotá (1968); Museo de Arte Moderno, Cartagena (1987); Museo La Tertulia de Cali (1969, 1980 y 1990); Museo de Arte Moderno de Bogotá (1967, 1968, 1977, 1986 y 1999), y Museo Nacional de Buenos Aires (2000).
Ha participado en las siguientes exposiciones internacionales: VII Bienal de Paris (1971); IX Bienal de Tokio (1974); XIII Bienal de Sao Paulo (1975). Recibió la Medalla de Oro de la IX Bienal de Tokio (1974); el Premio de la priemra Trienal Latinoamericana de Grabado, Buenos Aires (1979), y el Premio Luis Caballero, Galería Santafé, Bogotá (1998).
En 2001 obtuvo el Premio Latinoamericano de Pintura y Técnicas Mixtas de la primera Bienal de Buenos Aires, Argentina con su serie “Los Cincuenta Caminos de la Vida"

Art Decó

Estilo propio de las artes decorativas desarrollado en el periodo de entreguerras, entre 1920 y 1939 en Europa y América. Alcanzó su máximo esplendor en la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París de 1925. Se caracteriza por la profusión ornamental, el lujo de los materiales y el frecuente recurso a motivos geométricos y vegetales.
Como síntesis se puede decir que el Art Déco ante todo buscó la decoración por encima de la funcionalidad.

El término Art Déco, abarca un amplio abanico de ramas y especialidades del arte y la artesanía, las cuales se dieron cita en la Exposition Internationale de Arts Décoratifs et Industriels Modernes de 1925 y que, posteriormente se conmemoró con una retrospectiva celebrada en París el 16 marzo de 1966, bajo el título "Les Annes 25", en el Musée des Arts Décoratifs.

En 1912, Francia proyectó celebrar una Exposición Internacional que se inauguraría en 1915, en donde se expondrían los productos, adelantos industriales y avances técnicos de todos los países. Sin embargo, como consecuencia de los acontecimientos que se desataron en 1914 desencadenando la Primera Guerra Mundial, dicho evento tuvo que posponerse "sin edie". Una vez finalizado el conflicto en 1918, se retomó dicha idea y se programó la inauguración de la citada Exposición, para 1922, pero los problemas financieros y de reconstrucción económica, pospusieron tal evento hasta 1925. Para ubicar esta magna muestra se pensó en el Grand Palais, el cual se acondicionó para tal ocasión, aunque por exigencias de participación, hubo de construirse un pabellón que albergara a los veintiún países participantes, siendo el director arquitectónico Charles Plumet.

Como artistas representantes del Déco, entre otros, debemos citar: Maurice Dufrene, Jean Dunand (1877-1942), André Groult (1884-1967), Pierre Chareau (1883-1959), Paul Follot, el polonés Joseph Czajkowski (1872-1947), soviético de Konstantin Melnikov (1890-1974).

Característica generales del Art Déco que fueron utilizadas tanto en decoración, como en arquitectura :
El Art Déco se basa principalmente en la geometría imperante del cubo, la esfera y la línea recta, además de los imprescindibles zigzags.
Tratan de representar algunas abstracciones que muestran en la naturaleza, rayos luminosos radiantes, fluidos acuáticos, nubes ondulantes..
Representación faunística haciendo referencia a ciertas cualidades como la velocidad y usan para ello gacelas, galgos, panteras palomas, garzas..
Representación de elementos fitomorfos se utilizan las flores, los cactus, las palmeras, representados por medio de delineaciones geométricas.
Utiliza imágenes de fuentes congelas de formas ascendentes.
Utilización de nuevos materiales como la baquelita, el cromo y el plástico, maderas nobles el ébano y el palisandro, pieles naturales de zapa, de tiburón y el carey.
Se utilizan motivos de las culturas prehispanas de las culturas azteca, maya o inca y motivos inspirados en los objetos de los descubrimientos arqueológicos de Egipto, mesopotamia, vikingo o de los pueblos africanos o indios.
En arquitectura, además de las formas geométricas, se recurre a remates terminados escalonadamente y con proas marítimas que sostienen mástiles que sirven como astas; arcos y puertas ochavadas y lujosos materiales como el mármol, el granito y el aluminio consuman el aparato decorativo.
Se utiliza la figura humana de hombres gimnastas, obreros, habitantes de las urbes, luciendo el "look" de la época, junto a la de mujeres resueltas que participan en la producción económica, vistiendo una moda más atrevida, con el pelo corto a la "garzón" que fuman y participan en cócteles, denotando su liberación.

Para finalizar recogemos dos definiciones del Art Déco.
Alastair Duncan, en la Enciclopedia of Art Deco, recoge la siguiente definición:
"No es fácil definir las principales características del Art Déco, porque el estilo atrajo una multitud de diversas y, con frecuencia, contradictorias influencias. Muchas de ellas vinieron de los estilos pictóricos de vanguardia de los tempranos años del siglo, como el Cubismo, el Constructivismo Ruso y el Futurismo Italiano -abstracción, distorsión y simplificación- todos evidentes en las artes vernáculas decorativas Art Deco. Pero estos no fueron todos: una examen del repertorio de motivos estandarizados del estilo tales como -racimos de flores estilizadas, jóvenes doncellas, geométricos y ubicuos frutos- revelan influencias del mundo de la alta moda, de Egipto, el Oriente, la África tribal y de los Ballets Rusos de Diaghilev. A partir de 1925 el creciente impacto de la máquina puede ser discernido en repetidas y superpuestas imágenes, o más tarde, en los treinta, por formas modernizadas derivadas de principios aerodinámicos. Todo esto resultó en una elevada amalgama de complejas influencias artísticas, descritas desafiantemente por una simple frase, el término Art Déco".

Fancy Susan Sternau en la obra Art Déco lo describe de la siguiente forma:
"Desarrollado en París y más tarde fomentado en Hollywood como el estilo de las estrellas, el Art Deco hizo la transición, en unos pocos años, de un primarío estilo francés a un universalmente entendido símbolo del glamour. Art Deco, es un conveniente término usado para describir arte decorativo en el período entre las dos guerras mundiales, y refiere a un estilo que es clásico, simétrico y rectilíneo. Como movimiento se desarrolló durante los años 1908 a 1912 y alcanzó un alto punto de 1925 a 1935. Este estilo fue el producto de influencias tan diversas como el Art Nouveau, Cubismo, el Bauhaus y el arte de Egipto, el Oriente, "Africa y las Américas".

Arte Moderno

Centuria del arte moderno
Pocos términos hay tan resbaladizos como “moderno”. Es tan correcto sostener que Leonardo da Vinci fue un protagonista activo del mundo “moderno”, como decir que lo fue Picasso, o que lo es Martin Creed.
Susana Pérez Tort Crítica de Arte
Cien años de arte moderno
¿Qué es ser moderno?
Pocos términos hay tan resbaladizos como "moderno". Es tan correcto sostener que Leonardo da Vinci fue un protagonista activo del mundo "moderno", como decir que lo fue Picasso, o que lo es Martin Creed. Si moderno es lo reciente, lo nuevo, la actitud experimental de quien mira hacia delante, entonces cada uno de estos emblemáticos artistas, cada cual en su respectiva hora histórica, han sido o son "modernos".
Con la voz "moderno" sucede lo mismo que con el término "barroco". Uno y otro pueden usarse para calificar cosas o momentos históricos diferentes y aún así usarse con precisión semántica Si moderno es lo nuevo, lo que está sucediendo o acaba de suceder, es lógico que hayamos adjetivado de "moderna" a aquella Europa que en el 1400 estrenaba una cultura nueva, que renovaba de tal modo el rostro de la vieja Europa, que bien denominamos: moderna. Así pues podemos sostener que Leonardo fue uno de los protagonistas de ese tiempo de novedad tras novedad que dio su perfil a lo que hoy llamamos Edad Moderna, época en la que se ingresa en la Modernidad. Allí en el tan pretérito siglo XV.
Nacida la Edad Moderna bajo la luz del progreso material e intelectual, iluminada por la razón, por nuevas tecnologías, por un nuevo mapa geopolítico, por una nueva concepción del hombre y del cosmos, por una nueva economía y una nueva moral, es lógico que nos refiramos a ella como moderna ya que pocas veces antes se había consolidado en tan poco tiempo un escenario semejante.
¿Pero como llamar entonces a los protagonistas de otro cambio igualmente fundante, aquellos que hacia la segunda década del siglo XIX profundizaron aún más aquella Modernidad y dieron lugar a la revolución industrial, tecnológica, política, filosófica y científica en la que un cambio tras otro cambio dieron a Occidente su nuevo perfil? También aquellos fueron "modernos" y gestores de lo que convenimos en llamar "modernismo". Los primeros modernos (los del 1400) construyeron aquella primera gesta de modernización que "superaba" al pasado medieval, éstos modernos (los del siglo XIX) consolidaban una misma confianza en el mañana, en el progreso material, en la seguridad de las cosas. Profundizaron el programa de Occidente, ahora a las puertas de un flamante siglo XX.
Moderno Leonardo, moderno Picasso...¿Moderno un artista conceptual como Martin Creed, o acaso conviene que le llamemos posmoderno?
Si moderno es lo nuevo, lo reciente, lo que acontece (entendido como adjetivo)...pues entonces podemos adjetivar como "modernos" aún a los fenómenos o personas que protagonizan este mundo de hoy al que llamamos sin embargo Posmoderno. (Pos-moderno porque se supone vivimos un paradigma que ha dejado atrás o cuestionado al menos el paradigma de la Modernidad). Llegamos así a un contrasentido: la Posmodernidad es moderna, porque acaece ahora, porque es actual. Otra trampa del lenguaje: podríamos decir, sin faltar a la verdad histórica, que en el 2005 celebramos el centenario del nacimiento del arte moderno (de las vanguardias ), pero también podemos decir que se celebraron cien años de arte moderno en 1520, al cumplirse el centenario de la realización de la cúpula de Santa María del Fiore, la catedral de Florencia, obra "moderna" de Brunelleschi, quien en 1420 dejaba atrás las formas de la arquitectura medieval...pero ¡oh paradoja! se supone fue el Abad Suger quien bautizó a la flamante Basílica de St. Denis (que puede considerarse la primer joya de la arquitectura gótica medieval, como portadora de formas "modernas" refiriéndose en ese caso a la ojiva medieval . Claro St Denis luego de su reforma resultó "moderna" comparada con su original alzado románico...Entonces Suger llama "modernas" a las ojivas y Brunelleschi es un "moderno" por dejar de usarlas...¿Y si en la misma Edad Media se acuña el término moderno...qué lugar le quedará a los siglos que le siguen que instauran la Edad Moderna? Menudo lío.
Cien años de arte moderno
Pero sin retrotraerse tanto en el tiempo y en los laberintos semánticos de la historia, convenimos que en el imaginario colectivo son los "tiempos modernos" de los albores del siglo XX (aquellos que parodiaba Chaplin) los que se relacionan con el espíritu moderno y el término "moderno", más que las anteriores acepciones del mismo término. Para el gran público seguramente es más fácil asociar con lo moderno a Picasso que a Leonardo.
Moderno es por cierto aquel vértigo de renovación, acción y actitud experimental que se vivió en las últimas décadas del siglo XIX (como en las anteriores) y que se consolidó (fundamentalmente en el arte) en 1905, cien años atrás.
Un nuevo escenario se abría a las puertas del siglo XIX. En el término de cincuenta años elespíritu positivista abre las puertas al nacimiento de la litografía, la fotografía y más tarde el cine revolucionan el universo de la imagen. La comunicación accede a un nuevo umbral con el telégrafo y el teléfono. Las distancias se acortan con los motores, el tendido del ferrocarril y del tren subterráneo. La energía y la luz eléctrica cambian el mundo laboral, las hábitos, los nuevos inventos y las nuevas perspectivas científicas y filosóficas alumbran una nueva percepción de la realidad. En el arte, Romanticismo y Realismo dan lugar al empirismo Impresionista.
¿Qué le siguió a aquel brote de modernismo que fue el Impresionismo? Pues le siguieron instancias de dudas, vueltas atrás, cabildeos en torno al desafío de un mañana incierto o la seguridad de un regreso a las fuentes del clasicismo (léase prerafaelistas, simbolistas, nabís). Marshall Berman nos aclara ciertamente el panorama cuando define: "ser moderno es encontrarnos en un medio ambiente que nos promete aventura, poder, alegría crecimiento... transformación de nosotros mismos y del mundo y que al mismo tiempo amenaza con destruir todo lo que tenemos, lo que sabemos, lo que somos." (2) . Su definición del espíritu moderno nos muestra cómo en uno u otro tiempo de la historia ser moderno significa confiar en lo nuevo, aún a expensas de las seguridades, tradiciones y aprendizajes que esa novedad pueda arrasar consigo. No todos los impresionistas siguieron adelante con lo que el movimiento pretendía - Renoir atravesó su "período Ingresco", a Manet le costaba desprenderse del negro, Degas y Toulouse Lautrec sintieron la tentación de apoyarse en una temática que comunicara al espectador algo más que solamente efectos de luz - mientras que Monet y Seurat se apoyaron en el Impresionismo más ortodoxo conscientes de que llevándolo a su última expresión alcanzarían la novedad que buscaban. En las últimas series de Monet y las últimas pinturas de Seurat hallamos el germen de la abstracción. Fueron los modernos del impresionismo.
Si en 1905 - el mismo año en que se enuncia la Teoría de la Relatividad de Einstein y que Freud publica "Tres ensayos sobre la teoría de la sexualidad" - se oyen las primeras voces de Expresionismo y de Fauvismo éstas tuvieron su antecedente en otros dos abanderados de la generación anterior: los precedieron los"gritos" proferidos por Munch y Van Gogh, mientras que la planimetría, la intensidad y libertad cromática de los Fauve tenía como antecedente a Gauguin. Los Post-Impresionistas tendían su mano al espíritu moderno que, impelido por el universo de cambios que se abría en la sociedad, en la ciencia, en la técnica, en la industria, sintieron el eco de ese medio ambiente que les prometía poder, alegría crecimiento...transformación de ellos mismos y del mundo y que al mismo tiempo los amenazaba con destruir todo lo que tenían , lo que sabían, lo que eran.
Hace cien años irrumpían en las muestras y salones las pinturas expresionistas y fauves y sólo dos años más tarde en 1907 Picasso -que había asistido como Braque la muestra retrospectiva de Cèzanne - pintaría sus "Señoritas de Avignon", nacía el cubismo. Claro interrumpían una tradición occidental que se había iniciado en Europa con otro momento de modernidad: aquel 1400 en el que se forjaba el molde artístico que habría de dominar Europa, y mucho más allá de Europa a todos sus dominios coloniales, colonias culturales también. . Vuelta a las fuentes. El modernismo del siglo XX y sus vanguardias forjan un sentido de la belleza nuevo, pero que comulga con el sentido de la belleza medieval - que en el 1400 había quedado "superado" - con el sentido de la belleza de los muchos pueblos nativos americanos, con las estéticas africanas, polinesias, orientales. . No es casual que Matisse, Marc y Picasso sintieran la misma atracción por el Africa, por sus textiles, por la fuerza de sus tallas. No es casual que a Gauguin lo imantara la virginidad de las islas del Pacífico.
La Europa Moderna había coincidido en un solo rostro para la belleza: el del realismo, el antropocentrismo, la narración, la representación, la belleza entendida como orden, proporción y armonía; entendidas con distintos tintes, pero siempre realismo, antropocentrismo, narración, representación, orden, proporción y armonía al fin, y el soporte de la obra entendido como cuadro o escultura de pedestal..
En 1905 en realidad no acontece nada "nuevo", la novedad en tal caso es el permiso que se dio una generación para -cito nuevamente a Berman - dejarse llevar por el fluido del medio ambiente positivista del comienzo del siglo XX, y transformarse y transformar el arte aún a costas de dejar atrás todo lo que sabían, tenían y eran.
Así lo hicieron Matisse, Vlaminck, Duffy, Rouault. Así lo hicieron Beckman, Dix, Kokoshka, Kirchner, Nolde, Ensor, como los que adherirán a una y otra tendencia. Así lo hacía el joven malagueño que pintaba mendigos parisinos en azul y madonas y gente de circo en rosas, también por esos días y que pintaría aquellas "señoritas" sólo dos años después (Pablo Picasso). Hoy aquellas vanguardias que ya cumplen cien años tienen un cuño propio, pero en aquellos años de efervescencia modernista " expresionismo2 era el término genérico con el que - según Luis Felipe Noé - se distinguían las nuevas corrientes estéticas que despuntaban con el siglo, las mismas que rompieron con la figuración y dieron lugar a la independencia de la obra de los moldes de la realidad fenoménica, conquista evidentemente moderna, superada o postergada por nuevas conquistas posmodernas.
La herencia de 1905
Se equivocó la paloma decía Alberti en sus versos y se equivocó aquel crítico que fustigó a los primeros Fauves al declarar a "Donatello en medio de las fieras". No estaban aquellos modernos en medio de las fieras, estaban simplemente saliendo del sueño aterciopelado del realismo (delicioso por cierto), del opio acariciante del arte narrativo (exquisito por cierto), de la tiranía de la representación más o menos fidedigna de la realidad fenoménica (con un legado igualmente invalorable por cierto), de las leyes de la perspectiva y de los cuadros y esculturas que eran réplicas más o menos exactas de la imagen de los fenómenos (agradecidos por semejante herencia).
Pero el llamado de un nuevo mundo, nuevamente moderno, exigió un giro artístico semejante al giro artístico que dejó atrás la estética medieval para abrazar la Moderna. Modernos unos y otros. De estos últimos que cantaron al vértigo modernista nos separa ya un siglo, ya no son modernos, son parte del pasado. Paradojas de la lengua.
El presente nos despertará seguramente - con el arte de conceptos y con las estéticas electrónicas no matéricas de hoy- de otro sueño: el dejar de considerar que el arte debe ser un lienzo que se compra y que se vende, un artefacto, y alcanzaremos también seguramente el umbral de un arte que sea idea, símbolo, gesto, acción, imagen pura. Quizá sea ese el desafío de este desteñido siglo XXI. Crisis posmoderna. Pastiches historicistas, arte de superficie (al decir de Jameson) apropiaciones, réplicas de un pasado moderno que floreció cien años atrás y se extinguió.

El 'picasso' más caro de la historia vale 81 millones de euros

La obra subastada en Christie's, pintada por el artista en 1932, bate el récord mundial
Picasso sigue siendo el artista con mayúsculas, al menos para aquellos afortunados o previsores millonarios cuyas fortunas no se volatilizaron con la caída de los mercados financieros en 2008 y la crisis subsiguiente. Una vez más, el malagueño ha hecho historia en la sede de Christie's en Nueva York con la venta de Desnudo, hojas verdes y busto (1932) por 106,4 millones de dólares (81 millones de euros), convirtiéndose así en el cuadro más caro jamás subastado y también en el Picasso más valioso.
Caía así del trono Alberto Giacometti, ocupado durante apenas unos meses por su escultura El hombre que camina I (1961), subastada en la sede de Sotheby's en Londres el pasado febrero por 104,3 millones de dólares (74,3 millones de euros). Hasta entonces había sido Picasso el rey absoluto de los precios de las subastas con su Muchacho con pipa (1904) que ostentaba el récord de cuadro más caro de las subastas de arte desde 2004, cuando fue vendido en Sotheby's por 104,1 millones de dólares (74,1 millones de euros).
Y es que con o sin crisis la marca picasso sigue siendo ese valor refugio al que los coleccionistas de arte acuden cuando todo a su alrededor parece derrumbarse. A las siete de la tarde en la sede de Christie's nadie parecía preocuparse por la abrupta caída de las bolsas europeas ante la crisis griega o por las nuevas amenazas terroristas que planean sobre Estados Unidos. En una sala abarrotada de coleccionistas elegantes, muy perfumados y expectantes las apuestas arrancaron fuerte para el cuadro Desnudo, hojas verdes y busto, un excepcional retrato de Marie-Thérèse Walter, joven a la que Picasso conoció mientras estaba casado con la bailarina Olga Khoklhova y que se convirtió en su amante con apenas 17 años.
El artista pintó el cuadro poco después de cumplir 50 años, cuando el romance ya tenía cinco de historia, en uno de los períodos más prolíficos de su vida y que los expertos consideran como uno de los mejores de su carrera. En este lienzo de grandes dimensiones (160 cm x 130 cm) no sólo aparece la imagen de aquella mujer que albergó la esperanza de casarse con Picasso hasta que éste murió en 1973 y que se suicidó tras su muerte sino que también puede verse el perfil del artista, que observa el busto desnudo de su amada desde un pedestal.
La puja comenzó con un gran silencio seguido de una carcajada nerviosa del público poco antes de que el maestro de ceremonias de la noche anunciara que la cifra de arranque eran 58 millones de dólares. Los números fueron hinchándose a gran velocidad con pujas hechas por ocho compradores en la sala y por teléfono a golpe de millón. Cuando se alcanzaron los 88 millones, la velocidad disminuyó y sólo quedaron dos coleccionistas en lucha a través del teléfono. Cada millón adicional fue arrancando una exclamación del público, hasta que la puja se cerró tras nueve emocionantes minutos en 95 millones de dólares (con la comisión y los impuestos se alcanzan los 106,482, 500 mencionados) provocando un espectacular aplauso. La identidad del comprador no se hizo pública.
El cuadro más caro subastado
Hace cinco décadas que el cuadro no se mostraba en público. En 1951, fue adquirido por Sydney F. Brody, un constructor millonario enamorado del arte moderno que amasó una de las mejores colecciones de EE UU, la que ayer protagonizaba la subasta de Christie's. Entre otras joyas de dicha colección se vendió una escultura de Giacometti, Grande tête mince, (1954-1955) por 53,2 millones de dólares y otra del mismo autor titulada El gato por 20,8 millones de dólares.
El precio que había estimado la casa de subastas para el cuadro de Picasso estaba entre los 70 y los 90 millones de dólares pero era una valoración a la baja, una de las estrategias frente a la crisis de las casas de subastas para no crear excesivas expectativas alrededor de sus ofertas -en 2009 hinchar los precios no funcionó y los coleccionistas se abstuvieron de comprar obras sobrevaloradas-.
Sin embargo frente a Desnudo, hojas verdes y busto muchos expertos habían augurado que se superaría la barrera de los 140 millones de dólares puesto que en 2006 el coleccionista Steve Cohen estuvo a punto de desembolsar 137 millones de dólares por el cuadro Le Reve, un lienzo de 1932 como el subastado ayer y en el que también aparecía la joven amante del pintor. Aquella transacción, que iba a realizarse de forma privada entre el magnate de los casinos Steve Wynn y el coleccionista Steve Cohen, fue abortada antes de consumarse por un codazo accidental del propio Wynn, dueño del lienzo, quien rompió sin querer su propio cuadro.
Ayer no se alcanzó esa espectacular cifra pero Picasso volvió a colocarse a la cabeza de los artistas de las subastas. El pintor español, que estos días también protagoniza una muestra en el Museo Metropolitan de Nueva York y otra en el MOMA, no pasa de moda. Y sin duda parece un valor mucho más seguro que la lotería que hoy parece ser invertir en bolsa.

Frida Kahlo

Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón fue una célebre pintora mejicana. Según ella, nació el 07/07/1910, aunque se rumorea que su verdadera fecha de nacimiento es el 06/07/1907. Nació en la ciudad de Coyoacán, en México. La niñez de Frida fue muy triste. A los seis anos tuvo la polio, lo cual la dejó con una pierna mucho más corta y delgada que la otra, para el resto de su vida. Esto siempre la acomplejó.
Rebelde por naturaleza, y ávida de sorprender, Frida ya de jovencita se vestía con ropas de hombre en ocasiones, para molestar a sus familiares en las reuniones que mantenían. Mas tarde se cortó el pelo para hacer rabiar a su marido Diego Rivera, acto seguido pinto este autorretrato.
Conocida por sus autorretratos, ella mismo explicó su tendencia a retratarse así: "Me pinto a mi misma porque estoy amenudo sola, y porque soy la persona a la que mejor conozco."
En 1925, regresando de la escuela en autobús, Frida se vió involucrada en un trágico accidente, que casi le cuesta la vida, y que le dejó secuelas que influyeron en ella el resto de su vida. Se partió la columna vertebral, la clavícula, varias costillas, la pelvis, y se fracturó una pierna en once lugares distintos. Estando de reposo absoluto en la cama tras el accidente, y aburrida, empezó a pintar. Este pasatiempo momentáneo terminaría por ser la pasión de su vida. "Yo pinto mi propia realidad, Lo único que sé, es que pinto porque lo necesito, y pinto lo que se me ocurre, sin más consideraciones."
A lo largo de su vida, y debido a las secuelas del accidente, se sometió a unas treinta operaciones; recurriendo al tequila para calmar el dolor. En muchos de sus cuadros quedan reflejados estos años de sufrimiento. Amenudo se retrataba a si misma con un collar de espinas, clavos, o con cortes en el cuerpo, a modo de expresar su dolor. Ella decía: "Mi pintura lleva un mensaje de dolor. Ha completado toda mi vida."
En 1929, Frida contrajo matrimonio con el muralista Diego Rivera. Fue un matrimonio apasionado, y alocado, entre dos personas de characteres extremadamente fuertes. Durante su matrimonio, se sucedieron los amantes por parte de ambos conyugues. Frida y Diego se divorciaron, pero antes de que tanscurriera un año, se volvieron a casar. Frida era tan infiel como su marido, y tuvo como amantes tanto a mujeres como a hombres. Algunos de sus amantes fueron: Georgia O'Keefe, Maria Felix, Leon Trotsky, y Nickolas Muray.
A pesar de las infidelidades, refiriendose a su marido, Frida decía: "Ser la mujer de Diego es la cosa mas maravillosa del mundo. Yo le dejo jugar al matrimonio con otras mujeres. Diego no es el marido de nadie y nunca lo será, pero es un gran compañero". Por otro lado también decía: "He sufrido dos grandes accidentes en mi vida: uno fue en autobús, y el otro Diego. Este tipo de contradicciones son una muestra del tipo de relación turbulenta que tenía la pareja.
Fue idea de Diego el que ella se vistiera con las ropas tradicionales, que junto con sus cejas pobladas, y bigote, llegaron a ser su símbolo.
Aunque ella no estaba de acuerdo, a Frida amenudo se le identifica con la pintura surrealista. Con la ayuda de los pintores: Andre Bretón, y Marcel Duchamps, Frida pudo exponer algunos de sus cuadros en Los Estados Unidos y Europa. En 1943 fue nombrada profesora de pintura en La Esmeralda, La Escuela de Bellas Artes del Ministerio de Educación.
Para saber más de la historia de este cuadro, titulado "El suicidio de Dorothy Hale", hacer click aquí.
En la última, y única exposición que la artista pudo realizar en su país, una vez más Frida escandalizó a la gente. Estando enferma, hizo que la trajeran a la exposición, a la Galería de Arte Contemporáneo,en camilla . La dejaron en medio de la sala,y ella se dedicó a distraer al publico, contando chistes, y bebiendo. A continuación se dirigió a la prensa, y dijo: "Yo no estoy enferma. Estoy rota." La exposición fue todo un éxito.
Frida Kahlo murió el 13/07/1954. Pero el culto a su arte sigue tan vivo, que se ha creado el "Kahloismo". Una especie de religión que considera a Frida una Diosa.

marc chagall

Pintor y diseñador francés de origen ruso, conocido por su inventiva surrealista. Se le reconoce como uno de los pintores y artistas gráficos más relevantes del siglo XX. Su trabajo está impregnado de un humor y una fantasía que encuentran su resonancia en el subconsciente. Las personales y singulares imágenes de Chagall están a menudo imbuidas de una exquisita inspiración poética. Chagall nació en el seno de una familia judía el 7 de julio de 1887, en la ciudad rusa de Vitebsk (actualmente en Bielorrusia), y recibió instrucción artística en San Petersburgo y, desde 1910, en París, donde permaneció hasta 1914. Entre 1915 y 1917 vivió en San Petersburgo, después de la Revolución Rusa, fue director de la Academia de Arte de Vitebsk de 1918 a 1919 y director del Teatro Judío Estatal de Moscú de 1919 a 1922. Chagall pintó varios murales y llevó a cabo los decorados de numerosas producciones teatrales. En 1923 se trasladó a Francia, dónde pasó el resto de su vida, exceptuando un periodo, de 1941 a 1948, en el que vivió en Estados Unidos. El uso singular del color y la forma en Chagall deriva en parte del expresionismo ruso y recibió una influencia decisiva del cubismo francés. Muestra de su estilo inicial es el cuadro Velas en la oscuridad (1908, colección del artista), del que hizo sutiles variaciones. Sus obras evocan de modo característico escenas de la vida de la comunidad judía en las pequeñas aldeas rusas, como en Yo y la aldea (1911, Museo de Arte Moderno de Nueva York) o La casa gris (1917, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid), y episodios de su propia vida como la serie Mi vida (1922), todo ello unido al tratamiento de personajes judíos de los que es buena muestra El judío orando (1914, Instituto de Arte de Chicago). Su obra es una combinación de evocaciones, fantasía y folclore. Los temas bíblicos del Antiguo Testamento son el motivo central de las series de aguafuertes ejecutados entre 1925 y 1939, y de las 12 vidrieras para la sinagoga del Hospital Universitario. Hadassah, cerca de Jerusalén (1962). En 1973 se inauguró el Museo Marc Chagall de Niza, en la Riviera Francesa, para dar cabida a cientos de sus obras bíblicas. Chagall también ilustró obras literarias como Las almas muertas de Gogol y Las fábulas de Lafontaine. Terminó las pinturas que decoran uno de los techos de la Ópera de París en 1964 y en 1965 los dos grandes murales que cuelgan en el vestíbulo del Metropolitan Opera House de Nueva York. Murió el 28 de marzo de 1985 en Saint Paul de Vence, en el sur de Francia.

Martin Elliott

Esta fotografía se titula ‘Tennis Girl’ y fue realizada por Martin Elliott hace ya unos añitos, en septiembre de 1976.
Pero a pesar de que ha pasado ya algo de tiempo, esta fotografía sigue siendo un auténtico icono y todo un símbolo de la liberación sexual que tanto se llevó en los 70.
De este cartel se han vendido millones de copias, y sin duda ha sido uno de los más colocados en las paredes de las habitaciones de adolescentes de todo el mundo.
Su autor falleció recientemente. En la época de la foto, era estudiante de fotografía en la Universidad de Birmingham, y utilizó como modelo para esta foto a la que entonces era su novia, Fiona Butler.
Aunque la modelo no cobró nada, el fotógrafo ganó mucho dinero con esta foto. Y no, no siguieron juntos, pero a ella tampoco le ha ido nada mal: se casó con un millonario.