Francesco Vezzoli

Según Mark van Proyen, para poder identificar correctamente la posición del arte dentro del tejido social de la era digital, habrá que describir tanto sus vertientes optimistas como las negativas, para así encontrar una síntesis que complete la dialéctica. Francesco Vezzoli (Brescia, 1971) podría encontrarse en la sección «positivista»: el artista que comenzó tejiendo lágrimas, sangre o mocos sobre los ojos y narices de las viejas estrellas de cine; un niño nostálgico y amargado que encontró a la mitad de su carrera el video como la forma perfecta de rendir tributo a dos de sus fascinaciones: la época de oro del cine italiano y Andy Warhol.
Vezzoli es definido como el «artista de la alfombra roja»: por sus videos que recrean pasajes, fragmentos e imágenes de Visconti o Pasolini, han transitado Sonia Braga, Bianca Jagger (también musa de Warhol), Franca Valeri y Valentina Cortese en tono decadente. Las imágenes de Vezzoli son nítidas y alevosamente iluminadas, sin contemplaciones estéticas para las viejas actrices, ni para las nuevas; Courtney Love, Milla Jovovich y Sharon Stone, entre otras tantas, extrañamente ya pelean un papel en uno de los extraños trabajos del creador italiano. El video de Vezzoli surge precisamente de la cultura popular televisiva y cinematográfica, recrea sus clichés, los lleva hasta el extremo y es allí donde radica su atractivo. El videoartista italiano se nutre de la tele —de la tesis—: en ella justifica sus ideas y exploraciones, se reinventa y contempla. Uno de sus últimos videos, Marlene Redux, cuenta su biografía imitando con exactitud el E! True Hollywood Story, programa de televisión que cuenta la siniestra historia de una estrella del cine o la televisión estadounidenses, con recreaciones y testimonios de allegados, depresiones y éxitos del artista visual. Una maravilla que dura media hora, incluyendo cortes para comercial, presentada en 2007 en la Tate Gallery de Londres.
En la Bienal de Venecia de 2007, Vezzoli presentó Democracy, la recreación de una campaña electoral para Estados Unidos con dos candidatos: Bernard-Henri Lévy (bhl para los franceses), uno de los filósofos más agudos de nuestro tiempo, con sólidos argumentos y retórica basada en Maquiavelo, contra Sharon Stone, la actriz que a últimas fechas culpó al mal karma del terremoto que sacudió China, como una candidata terriblemente seductora y persuasiva. Cada uno ideó su discurso, pero a Sharon Stone la beneficiaron con algunos «trucos» televisivos. Este video fue una bomba para la Bienal, en el sentido en que supuso una crítica del manejo del discurso político en los medios: ¿cuenta más la imagen o el discurso? Vezzoli dejó claro que Stone ganaría una campaña aunque su contrincante fuera un verdadero genio.
Hoy, cada nueva pieza de Vezzoli es seguida no sólo por el mercado de las artes visuales —cada inauguración o presentación suyas atraen multitudes—: también representa para las nuevas generaciones la bandera del nuevo videoarte italiano, el que goza de buena salud pero manteniendo un pie en la tradición. Vezzoli habla a través de la nostalgia. Y tradición es la palabra clave en la identidad del arte italiano; quizá también la razón de que le haya costado tanto trabajo encontrar un buen lugar en las nuevas artes expandidas. Un paseo por Italia puede dar algunas pistas: su restauración, por ejemplo, no arregla ni actualiza a la antigua Roma; sólo se le agrega una sencilla columna de metal para intentar mantenerla en pie. No se remoza ni se repinta. Pero el arte digital es otro medio, otro género, y en él parece renacer il bello arte italiano.

Rodney Graham

Rodney Graham es un artista multidisciplinar canadiense nacido en el año 1949. Desde el año 1970 vive y trabaja en Vancouver. Cursó estudios de Historia del Arte en la University of British Columbia, así como en Simon Fraser University de Vancouver.
Entre sus creaciones encontramos instalaciones, fotografías, esculturas, cine, pinturas, performances, videocreaciones, y en ellas suele estar siempre presente la música.
Algunas de sus obras más destacadas son Vexation Island, una videoinstalación de 1997; Aberdeen, una instalación multimedia del 2000; Halcion Sleep, de 1994; Polaroids, del año 1976; Rheinmetall/Victoria 8; una instalación del 2003; Two Generators, de 1984; y Awakening, del año 2006.-

Sarah Thornton

Siete días en el mundo del arte
Traducido a diez idiomas, este libro delicioso y bien informado, fruto de varios años de investigación y de viajes por Estados Unidos, Europa y Asia, abre las puertas del universo secreto del mundo del arte contemporáneo y devela su grandeza y sus excesos.
Desde mediados de la década del ochenta, el arte se ha convertido en el movimiento cultural por excelencia. Varias generaciones de artistas han contribuido para que así fuera, pero esa no es la única razón. En paralelo, un mercado que ya estaba desarrollado se multiplicó varias veces, creando un microcosmos con leyes propias, personalidades de leyenda y eventos paradigmáticos.
El impactante resultado de este proceso fue el surgimiento de un nuevo mundo del arte, que va de las subastas a las galerías neoyorkinas, de las Bienales a los encendidos debates de la crítica, de las Ferias internacionales a la revalorización de los museos, los coleccionistas y las grandes muestras. Es un cóctel fascinante de talento y glamour, de osadías vanguardistas y especuladores financieros, de excéntricos, estrellas fugaces y maestros.
Con una prosa vibrante y una aguda capacidad de análisis, Sarah Thornton es capaz de detectar lo que la frivolidad esconde y de señalar con autoridad a los mejores artistas de nuestro tiempo.
Sarah Thornton es Licenciada en Historia del Arte, y Doctora en Sociología. Ha escrito sobre el mundo y el mercado del arte para importantes medios de Estados Unidos e Inglaterra, entre ellos The Economist, Artforum, The Art Newspaper y The New Yorker. Trabajó en programas culturales de televisión para la BBC y CBS.
Publicado por Edhasa Argentina. Traduccion, Laura Wittner.
“Thornton tiene una escritura vivaz, grandes momentos de ironía (…) y ajustadas metáforas para describir la osadía espiritual, la especulación financiera y la estupidez rampante que pueden darse al mismo tiempo en este mundo “fascinante, hecho de inteligencia, cháchara y besuqueos falsos”, como define a la Bienal de Venecia.” La Voz
“Hoy el mercado (del arte) ha tenido su primer crash desde 1990. La burbuja que describe el libro si bien no ha estallado sobrevuela incierta a la merced de nuevos vientos. Que el libro haya sido terminado justo antes de la crisis financiera no es mala suerte sino todo lo contrario: lo vuelve una pieza cerrada. Cada capítulo, una épica completa. En unos años será visto como la crónica de una época dorada.” Página 12
“Para escribir sus ensayos, Thornton (…) se convierte tanto en observadora como en parte de la escena que retrata. (…) No se queda sólo con los remates, sino que analiza también las ferias de arte, las revistas especializadas, las universidades, las bienales, los grandes premios y los estudios de artistas consagrados.” La Nacion
“Convertida en socióloga itinerante, Thornton hace de su larga crónica un viaje de siete días por seis ciudades de cinco países. Es un relato divertido, con generosas dosis de inside information y la data precisa de quién es quién en esta combinación de glamour , millones y talento.” ADN
“La publicación de “Siete días en el mundo del arte”, el más que interesante libro escrito por la antropóloga Sara Thornton (editado por Edhasa), permite acceder a un pensamiento contundente sobre el mundo del arte contemporáneo y sus principales instituciones: las revistas de moda, las subastas en las grandes casas, las megaexposiciones, las monumentales bienales, poco queda fuera de la mirada de la autora, que desemboca en una precisa descripción de la ludopatía típica de los mercados.” Perfil
“Sarah Thornton investigó desde la sociología los eslabones que componen el mercado del arte. En la Bienal de Venecia asegura que este universo “es groseramente jerárquico”, pero también volátil.”

http://sarah-thornton.com/

León Ferrari

LEÓN FERRARI: EL ARTE COMO REBELDÍA, Y LA REBELDÍA COMO
En 2007, a los 86 años, León Ferrari recibió el "León de oro" en la Bienal internacional de arte de Venecia. El jurado consideró como valores tanto la calidad estética de su obra como su ética. Según el New York Times, es "uno de los cinco artistas plásticos vivos más provocadores e importantes" del mundo (¿quiénes serían los otro 4?, mi ignorancia aventura los nombres de Damien Hirst, Banksy, Maurizio Cattelan, Gunther Von Hagens, Ron Mueck, Bill Viola...).Su obra es uno de los más contundentes ejemplos de la relación entre vanguardia artística y vanguardia política, entre ética y estética.
LA CIVILIZACIÓN CRISTIANA Y OCCIDENTAL
Al recibir el León de oro en 2007, con su tradicional ironía, Ferrari declaró: "Debería dedicarle el premio a Bergoglio", cardenal primado de Argentina y su principal opositor en el país. Varios ataques -a veces violentos, como verán más abajo- de católicos fanáticos han perseguido a Ferrari, ayudando como siempre el escándalo para la difusión de su obra. Todo empezó en 1965, cuando recibió la invitación para participa en el Premio Nacional Di Tella. En ese momento realizaba dibujos, esculturas con metal soldado y algunas botellas con cosas extrañas en su interior. Seguramente al invitarlo creían que expondría algo así. Sin embargo, presentó 4 obras nuevas sobre el tema de la guerra de Vietnam: un avión bombardero estadounidense FH107 de unos 2 metros de altura, unido a un cristo de santería, colgado como si cayera en picada; y 3 cajas con manos, aviones y cruces. El avión -titulado La civilización occidental y cristiana -, que es hoy todo un icono del arte latinoamericano, no se expuso a petición de Romero Brest, director del Di Tella. A pesar de que las 3 cajas que si se expusieron no eran tan agresivas, provocaron la reacción de críticos escandalizados por el hecho de que una "institución seria" expusiera "libelos políticos" (Ernesto Ramallo, diario La prensa, 21 sep. 1965). Ferrari respondió con una célebre carta de la que extraigo algunos fragmentos: LA RESPUESTA DEL ARTISTA
"...Quitar la critica del arte es cortarle su brazo derecho, limitar la crítica a lo que no es acre o corrosivo es ahogarla con azúcar. "...creo que nuestra civilización está alcanzando el más refinado grado de barbarie que registra la historia. Porque me parece que por primera vez en la historia se reúnen todas estas condiciones de barbarie: el país más rico y poderosos invade a uno de los menos desarrollados; tortura a sus habitantes; fotografía al torturado, pública las fotografías en sus diarios y nadie dice nada. Hitler tenía todavía el pudor de esconder sus torturas; Johnson ha ido más lejos: las muestra. La diferencia entre ambos refleja las diferencias en las responsabilidades de los pueblos: Los alemanes pudieron decir que ellos no sabían lo que pasaba en los campos de concentración de Hitler. Pero nosotros, los civilizados cristianos, no lo podemos decir. "...Esas fotografías y la pasividad de los pueblos occidentales son el símbolo de nuestra avanzada barbarie. Y otro signo de barbarie es la reacción del cronista de arte, quien, cuando encuentra esas mismas fotografías pegadas en una caja con una intención de "critica acre o corrosiva", no se le ocurre condenar la tortura: lo único que se le ocurre es pedir que se prohíba la crítica a la tortura... "...Ignoro el valor formal de esas piezas. Lo único que le pido al arte es que me ayude a decir lo que pienso con la mayor claridad posible, a inventar los signos plásticos y críticos que me permitan con la mayor eficiencia condenar la barbarie de occidente; es posible que alguien me demuestre que esto no es arte; no tendría ningún problema, no cambiaría de camino, me limitaría a cambiarle de nombre: tacharía arte y lo llamaría política, critica corrosiva, cualquier cosa. "Los saludo muy atentamente. León Ferrari"

Franz Ackermann

Franz Ackermann (nacido en 1963 en Neumarkt-Sankt Veit) es un pintor e instalador artístico alemán establecido en Berlín. Realiza dibujos abstractos.
Asistió a la Academia de Bellas Artes de Munich entre 1984/88 y a la Escuela de Bellas Artes de Hamburgo entre 1989/91, donde estudió bajo la tutela de Bernhard J. Blume. Sus estudios le llevaron a Hong Kong gracias al Servicio Aleman de Intercambio Académico. Desde 2001 es profesor de pintura en la Academia de Arte de Karlsruhe.
Los temas de sus obras se centran en cuestiones de viaje, la globalización y la estética de las grandes áreas urbanas. Cabe destacar la serie de pinturas sobre viajes en pequeñas composiciones llamada Mapas mentales.
En 20004, Ackermann fue nominado para el Premio Hugo Boss. En 2005 recibió el "Premio de las IFM Kunst am Bau 2005" por su diseño mural con el título ‘El gran viaje’ en la estación de metro de Munich Georg Brauchle-Ring.
Su obra se ha mostrado internacionalmente en numerosas exposiciones incluida la Bienal de Venecia de 2003, Dibujo ahora: 8 proposiciones en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Híbridos en el Tate de Liverpool, Sistema Mundial de Navegación en el Palacio de Tokio en París y Temporadas en el Sol en el Museo Stedelijk de Ámsterdam. Está representado por la empresa Gavin Brown en Nueva York, la Galería Meyer Riegger en Karlsruhe, Galería Fortes Vilaça en São Paulo y Gio Marconi de Milán.
Muchas de sus obras se encuentran en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Rebecca Warren

Rebecca Warren (1965) es conocida internacionalmente por sus trabajos en arcilla, bronces, y vitrinas, caracterizados por ser exuberantes y un tanto rugosos. A su vez, los trabajos contienen objetos recolectados por la artista, que están montados de manera particular en sus obras. La artista desafía las convenciones de las esculturas mientras que a su vez se relaciona con la historia de la escultura figurativa y su posición dentro de esta tradición predominantemente masculina. Sus esculturas, que parecen cambiar de firma, en arcilla y bronce pueden ser tanto amorfas, como de formas más reconocidas, que muchas veces se son sexualmente explicitas, de manera tanto formal como grotesca.

Takashu Murakami (2): Oval Buddha

La obra representa una torre Janus cara oval, uno de los caracteres de la firma del artista, sentado en una posición de loto meditativa.
La combinación de técnicas tradicionales japonesas y las imágenes con varios de los motivos Murakami, Buda Oval refleja la evolución del artista cuerpo, mente y espíritu y su continua exploración de su culturales, nacionales, religiosas, artísticas y la realidad.
En primer lugar concebido Murakami en 1999, cuando se pidió la creación de una figura emblemática de una línea de Issey Miyake camisetas, el Salón Oval de caracteres fue posteriormente utilizado en una variedad de diferentes obras.
Al igual que muchas de las otras criaturas del artista, se ha metamorfoseado en muchas aplicaciones, que culminaron en Oval Buda, que combina la iconografía del artista distinto con motivos tradicionales budistas.

La escultura, de gran belleza y armonía, hecha en plata, refleja a un Buda en actitud meditante sobre una hoja de loto, que Murakami creó a petición de Naoki Takizawa, entonces creativo del magnate de la moda Issey Miyake, que le animó a concebir un carácter inspirado en Humpty Dumpty, protagonista de una canción infantil inglesa, y en Hyakume, del manga japonés, que el artista recuerda de sus lecturas infantiles.